La feria que supo posicionarse como una de las más importantes de Latinoamérica tuvo una de sus ediciones más memorables donde se destacaron la gran calidad artística de las galerías, premios que incentivaron el coleccionismo y la producción de obras, récord de ventas y gran convocatoria.

La edición número 32 de ARTEBA se realizó por segunda vez en Centro Costa Salguero, espacio en donde confluyeron artistas, galeristas, coleccionistas, referentes de la cultura, amantes del arte y curiosos.

En este año se presentaron más de 400 artistas representados por 58 galerías y proyectos artísticos que exhibieron sus obras en las dos secciones de la feria: Sección Principal, donde se encontraban las galerías establecidas y Utopia con espacios jóvenes y autogestionados por artistas.

Fue muy comentada la calidad de las obras y de oferta que hubo en esta edición gracias al excelente trabajo que hizo el comité independiente de selección integrado por César Abelenda, director de Galería Pasto, Carla Barbero y Sonia Becce, curadoras independientes, Leopol Mones Cazón, director de Galería Isla Flotante, y Marina Pellegrini, directora de Galería Vasari.

Los stands espaciosos y los anchos pasillos permitieron que los visitantes puedan circular con comodidad por el predio y apreciar las piezas exhibidas. El diseño arquitectónico de la feria estuvo a cargo del arquitecto Horacio Torcello.

Las primeras compras en la feria se realizaron en el marco del Programa de Adquisición de Museos, que busca apoyar la escena artística y que cuenta con el apoyo de la Agencia Argentina de Inversiones y Comercio Internacional.

El Museo Nacional de Bellas Artes, a través de su Asociación Amigos, adquirió la pintura “En el taller”, de Emilia Gutiérrez en la galería Cosmocosa; el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires compró cuatro piezas :“Los sueños eróticos de Millie Burton Gord”, de Mildred Burton en Calvaresi, “Luna” de Carlos Luis García Bes (Pajita) en galería María Casado, “Isajhie ma’a tá neckiejwuala” (Hermoso amanecer) de la artista wichi Claudia Alarcón en Remota y “Zero” de Luiz Roque, en galería Isla Flotante.

Por su parte, el Museo de Arte Moderno de Buenos Aires adquirió nueve obras: “Niño del río” de Manuel Brandazza en Pasto, seis dibujos de la serie “La comparsa drag” de Porkería Mala y “Colchón antifascista” de Marta De la Gente en Galería NN y “Ronquidos oceánicos”, de Florencia Rodríguez Giles en Ruth Benzacar. La Fundación Klemm compró “Niño Maiden”, de Juan Tessi en galería Nora Fisch, mientras que el Museo Provincial de Bellas Artes Franklin Rawson incorporó a su patrimonio “Historia Lenta” de Porkería Mala en Galería NN y “Sin título” de Rómulo Macció. 

Además, la Fundación Andreani compró en galería Barro la escultura “µ” (Mu) de la dupla Faivovich & Goldberg y la Fundación Aldo Rubino eligió “Serie cuerpo fofo”, de Cristina Schiavi que adquirió en W-Galería. También, la Subsecretaría de Patrimonio Cultural de Salta sumó para el acervo del Museo de Arte Contemporáneo “Poty mini” díptico de Andrés Paredes en Cott y “Trago largo” de Máximo Pedraza en la galería Mite.

La Fundación Azcuy, participó por primera vez con la adquisición de cuatro obras dando inicio a su colección de arte contemporáneo argentino, incorporó obras de tres artistas. Una pintura “Sin Título” de Juan Tessi en galería Nora Fisch, “Aura y canoa” de Manuel Brandazza, una escultura realizada con barro del Río Paraná esgrafiado sobre madera, en galería Pasto, y “Aprendices” y “Compagnie della calza” de la artista Carolina Raquel Antich en la galería María Casado. 

En el marco de las compras de museos extranjeros, el Denver Art Museum de Estados Unidos sumó a su colección un conjunto de obras de la artista wichi Claudia Alarcón representada por galería Remota; el Museo Tamayo de México, que seleccionó dos piezas de Mirtha Dermisache en Herlitzka & Co; el Museo de Arte de Lima compró cuatro fotografías documentales de Annemarie Heinrich en la galería Vasari; el Ludwig Museum de Alemania obtuvo nueve obras “sin título” de Ary Brizzi  en MC galería ; mientras que el Museo de Arte Moderno de Bogotá compró “Cegar los ojos”, “Suprimir los ojos” y “Apagar los ojos”, de Gabriela Golder en Rolf Art.

Numerosos coleccionistas y compradores de arte adquirieron el total o gran cantidad de obras que estaban en los stands, lo cual ocasionó que las galerías renueven sus propuestas expositivas en los espacios para ofrecer nuevos trabajos artísticos como sucedió tanto la sección principal como Utopia. La Galería NN por ejemplo, llegó a vender un stand y medio.

Con el objetivo resaltar la dedicación y el impacto significativo del rol del coleccionismo, desde el consejo de administración de ARTEBA fundaron el Premio ARTEBA al Coleccionismo, que destaca a figuras relevantes que inspiran la formación de colecciones y contribuyen activamente al desarrollo del arte. En esta primera edición se otorgó este reconocimiento a Eduardo Costantini por considerarlo un referente clave en el ámbito del arte contemporáneo debido a su invaluable contribución al patrimonio cultural argentino y latinoamericano. Además, el coleccionista compró en la feria dos obras de Gyula Kosice en Roldan Moderno y dos pinturas de La Chola Poblete en Barro.

Otra gran novedad fue la edición número 15 de Premio en Obra, que incentiva a espacios y artistas que forman parte de la sección Utopia. Estuvo organizado en un comienzo por Juan Cambiazo y actualmente están a cargo Abel Guaglianone y Joaquín Rodríguez. Los coleccionistas lograron una recaudación récord de $13.600.000 que repartieron en 6 premios. Los ganadores fueron Yuyyu Pulleston, Casa Proyecto, Sofía Rosa, Eva Cafiero, Galería Varerie y Galería Moria.

ARTEBA 2023 será una edición recordada, la mayoría de las galerías vendieron mucho más de lo previsto, desde el sector del coleccionismo parece haber una apuesta fuerte en el arte argentino desde los artistas emergentes a los maestros. “Es una reafirmación del sector en medio de un contexto tan inestable lo que destaca el esfuerzo y la sinergia colectiva” analiza Florencia Giordana, directora de la galería Rolf. Lariza Andreani, presidenta de ARTEBA concluye: “Cerramos esta feria con mucha alegría y con la firme convicción de que el arte es un refugio emocional en tiempos complejos".

Con una nueva locación, mayor escala y programas novedosos ARTEBA abrirá sus puertas a la edición número 31

El 7, 8 y 9 de octubre del 2022 ARTEBA ocupará 3 pabellones de Costa Salguero con 71 galerías y más de 400 artistas. Este año la feria continúa dándole gran importancia a la participación de galerías de todo el país, pero también participan espacios de Brasil y Chile.

Luego de una feria virtual en el 2020 debido a la pandemia y en el 2021 un formato acotado debido a las restricciones que regían por las normas sanitarias, este año se espera una convocatoria masiva en la Costanera ya que tendrá mayor escala y más superficie que en la edición anterior.

Otro punto a favor es que el evento se realizará durante un fin de semana largo, por la celebración del Día del Respeto de la Diversidad Cultural, y coincide con un feriado también en Brasil. Se espera que debido a esta causa acudan visitantes de varias provincias y los países limítrofes.

La feria este año cuenta con tres secciónes: la principal donde estarán las galerías con más historia, galerías establecidas y de reconocida trayectoria con artistas referentes del arte moderno y contemporáneo; Stage, galerías que presentarán proyectos que tienen hasta cinco años, galerías jóvenes con artistas que en su mayoría no son consagrados pero que tienen gran proyección; y Utopía conformada por proyectos recientes, que buscan el formato de galería pero que son experimentales.

El ingreso a la feria contará con una obra de arte de Calendaria Traverso curada por Florencia Qualina que causará gran impacto visual.  Una instalación de gran escala que hace referencia al arte textil y a la alfarería de los pueblos precolombinos ubicados en el norte argentino. Además, este trabajo reflexiona acerca de la circulación de las mercancías al utilizar como soporte las bolsas que utilizan los feriantes en el norte del país

Otro de los proyectos artísticos ambiciosos que presentará ARTEBA es el Programa de Arte y Sustentabilidad Zurich, curado por Sofía Dourrón que propone abordar los problemas de la sustentabilidad a partir de objetos, esculturas y pinturas que invitan a cuestionar las formas en las que nos relacionamos con el planeta y las otras especies.

El programa de performance este año estará a cargo del artista y gestor Charly Herrera quien eligió un grupo de artistas que realizarán acciones performáticas en un espacio destacado y en vivo. Llama la atención que cada una ellas durará entre 6 y 8 horas de corrido. 

Cómo en una especie de búsqueda del tesoro, Trapiche patrocina un segmento que se trata de obras de gran formato infiltradas en el recorrido de la feria seleccionadas por Nancy Rojas y Carlos Huffmann. Los artistas que participan son: Silvana Lacarra, Alberto Passolini y Nicolás Pontón.

Otra novedad será que el ministerio de Cultura de la Nación participa con Stand en donde se exhibirán las obras de artesanos y artesanas invitados por el Mercado Nacional Artesanías Tradicionales e Innovadoras Argentinas, resignificando el oficio de estos trabajadores.

En cuanto al programa de adquisiciones, además de los museos argentinos que habitualmente compran obra como MALBA y Franklin Rawson, se suman museos nuevos como el Museo Marco de la Boca y grandes instituciones internacionales como el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, Centro de Arte George Pompidou de París y Museo de Arte de Dallas.

Entre las particularidades de esta edición, ARTEBA realizará por primera vez el Programa Convivencia que consiste en adecuarse a las normas establecidas para que las personas con discapacidad tengan fácil accesibilidad. También el día domingo 9 la feria abrirá sus puertas una hora antes para realizar visitas guiadas a personas con discapacidad motriz, intelectual, visual y personas sordas.

La entrada general costará $1000, el precio para jubilados y estudiantes será de $500 mientras que para personas menores de 10 años y con discapacidad no tendrá costo. 

Redactado por Mariana Gioiosa

La Bienal de Venecia, luego de 3 años de ausencia, sorprende al mundo del arte con temáticas relacionadas con el cuidado al medio ambiente, perspectivas de género y la relación del ser humano con la tecnología. Se podrá visitar hasta el 27 de noviembre.

La curadora de esta edición es Cecilia Alemani quien se desempeña como directora y curadora en Jefe de High Line Art en Nueva York y en 2017 curó el Pabellón de Italia en la Bienal de Venecia. Ella eligió para la 59va edición el título The Milk of Dreams, un libro infantil creado a partir de una libreta en la que la artista británica Leonora Carrington escribía e ilustraba cuentos para que leyeran sus niños antes de dormir, relatos fantásticos en el que predominan las mutaciones.

Quienes visiten la Bienal podrán apreciar la obra de 213 artistas de 58 países de los cuales un 80% son mujeres. La curadora organizó la exhibición principal en las naves de Giardini y los Arselanes con artistas de todo el mundo en diálogo con “cápsulas del tiempo”. Se trata de 5 pequeñas muestras históricas que rescatan muchas artistas mujeres o personas de género no binario que estuvieron cerca de las vanguardias, pero fueron poco tenidas en cuenta por la historia del arte, algunos ejemplos son Leonor Fini, Mary Wigman, Josefine Backer, Remedios Varo y Alice Rahom. El objetivo es tejer otras historias posibles.

La selección de Alemani está atravesada por distintos ejes, la relación del ser humano con la máquina, los cyborg, la inteligencia artificial, temas que durante la vanguardia de comienzo de siglo XX ya era de interés para artistas dadaístas, surrealistas y futuristas. También el medio ambiente, las minorías y la negritud. Cinco países participan en Venecia este año por primera vez: Camerún, Namibia, Omán, Uganda y Nepal.

Las pinturas figurativas, los textiles, las esculturas y las cerámicas tienen un gran protagonismo en esta Bienal. Algunas obras que impactan son una gran instalación gráfica y de video de Bárbara Krueger, los grabados teatrales de la artista cubana Belkis Ayón, el busto de grandes dimensiones de la afroamericana Simone Leigh, las piezas monumentales en arcilla en las que el argentino Gabriel Chaile representa a su familia, el bosque arcano de la nigeriana Precious Okoyomon, los trajes fantasmas (instalaciones escultóricas) de la congoleña Sandra Mujiga, entre otras.

El León de Oro a la Trayectoria de la 59va edición fue otorgado a la artista, poeta y activista chilena Cecilia Vicuña, considerada una de las voces más auténticas y potentes de la escena artística latinoamericana. Vicuña tuvo una importante participación en Documenta de Kassel en el 2017 con sus instalaciones textiles Quipu. En el pabellón Giardini de Venecia, se exhiben una serie de obras que realizó desde la década del 60 hasta la fecha. También una instalación que fue producida especialmente para esta Bienal con sogas y desechos hallados en Venecia y que lleva a la reflexión sobre el hundimiento de la ciudad a causa del cambio climático.

Otras ganadoras también fueron la estadounidense Simone Leigh por la mejor participante en la muestra principal, la británica Sonia Boyce por su exposición en el pabellón del Reino Unido. Las dos artistas fueron las primeras personas de origen africano en recibir este premio.
Las esculturas de Leigh unen formas derivadas de la arquitectura y del cuerpo de la mujer utilizando materiales y procesos asociados a las tradiciones artísticas de África y a la diáspora africana. La artista también protagoniza el envío estadounidense de la Bienal. Una de las obras que más llama la atención es la que se encuentra a la entrada del pabellón, una escultura de bronce que representa a una lavandera. Leigh tomó como referencia para realizar el trabajo una fotografía de finales del siglo XIX sacada por el fotógrafo Charles Graves en Jamaica. Imágenes que contribuyeron a formar una visión estereotipada de la mujer afroamericana y la intención de Leigh es cuestionar esta mirada.

Para ésta ocasión, Leigh transformó la arquitectura del pabellón de Estados Unidos de estilo neoclásico con la instalación de un techo de paja en la fachada del edificio que se asemeja al de un palacio africano de la década del 30. Las esculturas e instalaciones realizadas en este espacio se van a completar con un encuentro de investigadoras, artistas y escritoras negras que se llevará a cabo en octubre del 2022. El fin es rendir un homenaje a la larga historia de solidaridad y cuidado de las mujeres afrodescendientes.

Por su parte, la artista británica Sonia Boyce presenta una videoinstalación en la que cinco cantantes negros: Poppy Ajudha, Jacqui Dankworth, Sofia Jernberg, Tanita Tikaram son invitados a improvisar e interactuar guiados por el compositor Errollyn Wallen. Voces que suben y bajan, gritan y tiemblan, acompañan a los visitantes a lo largo de los cinco espacios del pabellón británico. Las imágenes audiovisuales se completan con motivos geométricos y tomas fotográficas con detalles del estudio de grabación: soportes y cables de micrófono, mesas de mezcladoras y deflectores de sonido.

Algunos de los Pabellones más sobresalientes de la Bienal son:

El Pabellón italiano ofrece una experiencia inmersiva en una historia posindustrial de este país: el auge y la caída de este sueño. En la exhibición el visitante descubre, entre otras escenas, una maquinaria industrial polvorienta y abandonada con un teléfono negro en desuso todavía colgado en la pared. Hay una atmósfera de decadencia, de progreso congelado.  Este trabajo fue realizado por el artista Gian Maria Tosatti y curado por Eugenio Viola quien comenta que “los músculos de esas máquinas siguen firmes, aún les gustaría trabajar”. Estas imágenes reflejan la frustración de una clase obrera que ha llegado a su fin.

En el Pabellón de Bélgica se presenta una serie de películas que resultaron de la búsqueda de Francis Alÿs. El artista viajó por el mundo durante 20 años filmando niños en el momento del juego, el esparcimiento y la diversión en Afganistán, Bélgica, Canadá, Hong Kong, México y Suiza, entre otros países. Las imágenes audiovisuales registran a chicos y chicas participando en varios juegos inocentes pero que conducen al espectador a reflexionar acerca de los grandes problemas del mundo: el cambio climático, la guerra y la desigualdad.

El Pabellón de Dinamarca: El artista Uffe Isolotto construyó una especie de granja que contiene tres esculturas hiperrealistas de centauros relacionados con la muerte (un suicidio) y la vida (el parto). El espacio parece adornado con detalles asociados con la vida agrícola danesa, además del suave olor a corral, en ese ambiente familiar resultan desconcertantes las herramientas agrícolas alienígenas y especies de plantas desconocidas ¿Se tratará de un futuro poshumano?

El Pabellón de Letonia brinda una variedad de cerámicos del dúo de artistas Skuja Braden que han creado una instalación de más de 300 obras de pequeño formato con una profusión de vasijas pintadas cuidadosamente apiladas sobre mesas, colgando de las paredes y apoyadas sobre el piso. Todas las piezas presentan gran nivel de detalle.

Luego de haber sido suspendida por la emergencia sanitaria provocada por la pandemia del Covid 19, los visitantes recorren las naves de la Bienal con mucho entusiasmo y expectativa. Las temáticas abordadas están a tono con las preocupaciones de este tiempo: La emergencia climática, correr el eje del hombre blanco occidental, una nueva relación del ser humano con nuestro entorno y otras especies, valorar otros saberes que exceden a la ciencia y desafíos que nos plantea el futuro. Una edición que se caracteriza por la inclusión de nuevas voces y puntos de partida para nuevos tiempos que se avecinan.


Redacción: Mariana Gioiosa.

Ya están los motores encendidos para la Bienal del Mercosur 2022, que se llevará a cabo del 15 Septiembre al 28 de noviembre. Recientemente presentaron más de 890 proyectos de 16 países distintos de los cuales 20 de ellos serán los seleccionados en los próximos días.

La Bienal tiene un perfil internacional, con grandes curadores y artistas innovadores de todas partes del mundo. El evento tiene lugar a lo largo y a lo ancho de la ciudad de Porto Alegre. La convocatoria tuvo en los últimos años ediciones más o menos exitosas, pero siempre es un acontecimiento de gran envergadura. 

El curador de esta edición será el carioca Marcello Dantas, quien es reconocido por trabajar con grandes artistas como Anish Kapoor, Michelangelo Pistoletto, Rebecca Horn, Bill Viola y Leandro Erlich, entre otros.

Dantas quiere que esta edición sea original, inclusiva y disruptiva. Está planeando experiencias de gran impacto sensorial para  reconectar al público con la experiencia del arte. Su intención es que el arte ocupe nuevos territorios y que se creen nuevos espacios de fricción. En ese sentido, habrá  sitios con gran potencial simbólico, como iglesias, fabricas antiguas y edificios históricos, además de los museos y otros lugares convencionales de exhibición que han sido utilizados en eventos anteriores.

En esta ocasión, se pone el acento en nuevos lenguajes como la tecnología 3D, la realidad aumentada, la biotecnología y otros proyectos potenciados por el cruce de disciplinas. “No estoy solo interesado en arte contemporáneo, estoy más interesado en la vida, la biología, la química, las relaciones sociales, las dinámicas económicas y como el arte puede iluminar estos temas.” , comenta el curador.

Para Dantas, quien en dos oportunidades estuvo internado debido a haberse contagiado covid-19, el encierro de estos tiempos es un regalo a nuestra posibilidad de reinvención. Significa una oportunidad fascinante de pensar las cosas por otros ángulos y empezar relaciones y dinámicas de otras formas. 

Trauma, Sueño y Escape forman la línea narrativa que están buscando en las obras de los artistas para esta Bienal. Analiza que el trauma es el principal combustible para el arte de todos los tiempos. Su impacto en el imaginario común, a través de la activación de lo onírico, de los sueños y delirios, abre puertas para escapar de una condición que se nos ha impuesto a todos nosotros. Estas palabras forman una ecuación que tiene una narrativa interna.  Desde el trauma se activa la dimensión onírica del sueño, que inspira la acción planeada que es el escape. “Este tríptico resume para mí el momento que vivimos”, concluye.

Del 23 al 29 de noviembre, arteBA Fundación junto con Meridiano, Cámara Argentina de Galerías de Arte, y más de 130 espacios de 18 provincias lanzan PANORAMA - Semana de galerías de arte en Argentina, un evento federal que pone a las artes visuales en el centro de la agenda cultural nacional.

Nuestra periodista Mariana Gioiosa nos cuenta alguna de las actividades más destacadas de esta iniciativa cultural

En esta oportunidad, la periodista Mariana Gioiosa visita las muestras de Mayra vom Brocke en Galeria Pasto, Alfredo Dufour en Galeria Constitución y Manuel Aja Espil en Galeria Grasa.

A continuación se encuentra el video con el recorrido por las mencionadas muestras:

La periodista Mariana Gioiosa nos acerca un análisis sobre las muestras de Juan del Prete (Galería Roldan moderno), Andrés Denegri (Rolf Art), Luis Felipe Noé (Galeria Rubbers), León Ferrari (Galeria Azur) y una muestra colectiva en Galería Ungallery Buenos Aires).

A continuación se encuentra el video con el recorrido por las mencionadas muestras:

UNA TENDENCIA QUE LLEGÓ PARA QUEDARSE

Algunos eventos trascendentes aceleran procesos o resignifican espacios que antes no tenían sentido. En el caso de la pandemia del Covid 19, un acontecimiento que llegó a tener una escala planetaria y que nos aisló de nuestros seres queridos debido al posible contagio, nos permitió repensar nuestro trabajo y objetivo, valorar a nuestro entorno. También a utilizar todas las herramientas que nos brinda la virtualidad para comunicarnos.

En cuanto al mundo del arte, las ferias reemplazaron la experiencia de ver obras en vivo y directo por propuestas virtuales en plataformas y redes sociales; las charlas presenciales sobre tópicos relacionados al arte por vivos en Instagram y eventos especiales para los coleccionistas por encuentros en Zoom.

En Latinoamérica, arteBA usó Artsy para subir el contenido de las galerías que se sumaron a esta edición, que fueron 80 y contaron con la participación de 400 artistas. El evento tuvo lugar desde el 4 al 31 de abril de 2020. Artsy es una plataforma diseñada para conectar a los usuarios con las principales galerías de arte del mundo, colecciones, fundaciones, artistas y ferias. En el marco de arteBA Special Edition se inauguró de manera virtual la primera nominación al premio ArtNexus. En esta edición virtual hubo muchas compras y más de 200.000 visitas. La primera adquisición institucional fue realizada por MALBA, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, se trata de la obra de la artista Maria Bustamante y una fotografía de Milagros de la Torre. Actualmente la feria organiza podcasts. La primera fue una cápsula sobre Arte y Activismo con el artista Tomás Saraceno.

Por su parte la Feria Parc, que este año recibió el nombre PArC Digital 2020, comenzó el 4 y terminó el 31 de mayo de 2020. Contó con la participación de la prestigiosa curadora argentina Florencia Batitti en la sesión Solo Proyect. Ella y el coleccionista peruano Tito Rebaza brindaron una charla en vivo por Instagram Live. También hubo un ciclo de conversatorio por zoom con inscripción previa moderada por distintos curadores de América Latina.

Otra feria, un espacio que nació on line de la mano de Diego Trulls, realizó dos ediciones desde que empezó la cuarentena y pronto contará con una tercera. La primera, #interior, dedicada a  galerías del interior; la segunda, #superpoderosas, con artistas y galeristas mujeres exclusivamente y la tercera, #siete, un solo artista por galería presentará siete obras. Realizan también charlas en vivo por Instagram Live y fiestas de inauguración y cierre con DJ en vivo. Nadie queda afuera porque es con invitación VIT, Very Importan Todos

En la actualidad debido al cambio de paradigma, son más las casas de remate que se animaron a seguir los pasos de Christie's, Sotheby's y Phillips .“Las ventas virtuales no intimidan más a los coleccionistas”, aseguró Edward Dolman, director general de Phillips, tercera casa de subastas en el mundo. Sin dudas son más personas que se animan a adquirir obras por este medio. A fines de marzo, Sotheby's batió récords para una venta en el medio virtual de objetos de diseño y semanas atrás, la casa Julien's vendió en una subasta en línea el manuscrito original de la canción de los Beatles Hey Jude por 910.000 dólares, cinco veces la estimación más alta.

En Argentina en el 2012 plataformas como La Suma de las Partes subían en su sitio web el catálogo de las obras disponibles para cada ocasión y el tiempo que tenían los interesados para ofertar. Las vías de comunicación era por mail. También se realizaron subastas privadas por WhatsApp donde participaban un número limitado de personas.

Hoy, galerías como Arroyo y Azur realizan subastas online que duran una semana a través de sus plataformas. Otras como Juana de Arte y Roca hacen subastas participativas a través de Zoom. Este tipo de modalidad  todavía no alcanza los valores de las subastas presenciales pero ayudan a mitigar el fuerte golpe que recibió el mercado del arte y las casas de subastas debido a la pandemia.

Escrito por Mariana Gioiosa.

Para abril el Museo Nacional de Bellas Artes realizará por primera vez una muestra antológica del gran León Ferrari, considerado uno de los más prestigiosos y polémicos artistas visuales argentinos. Se interesó en denunciar los abusos de poder, criticó las guerras, la religión y todas las formas de intolerancia y violencia. Tuvo grandes enfrentamientos con la iglesia por relacionar imágenes religiosas con contenido erótico y escatológico. Uno de los más recordados fue en 2004 cuando una  jueza hizo lugar a un pedido de la agrupación católica Cristo Sacerdote y ordenó el cierre provisorio de su retrospectiva en el Centro Cultural Recoleta, qué luego fue reinaugurada a pedido del público.

En esta oportunidad, la exhibición estará ordenada cronológicamente y se podrán ver algunas de su obras más emblemáticas: La Civilización Occidental y Cristiana, la crucifixión de Jesús sobre un avión de guerra norteamericano que parece caer en picada; Carta a un General, letras y palabras deformadas que a modo de dibujo esconden un mensaje; Brailles,  estampas japonesas eróticas con textos bíblicos sobreimpresos; Juicios Finales, láminas que se encuentran defecadas por aves y las series Nunca más y Nosotros no sabíamos, recortes de diarios que dan cuenta de los asesinatos que se producían durante la dictadura militar y la estrecha relación de las fuerzas armadas con la iglesia.

Gran expectativa provoca que, por primera vez, se expongan sus libretas de apuntes, donde se podrá apreciar la génesis de sus investigaciones.

Por su parte, el Museo de Arte Latinoamericano de Buenos Aires, MALBA,  presentará dos destacadas exposiciones. En marzo una antológica de Remedios Varo. La artista española, naturalizada mexicana, está considerada  una figura central del surrealismo y del arte fantástico latinoamericano.

La exposición se centrará especialmente en las obras realizadas durante su exilio en México. Se exhibirán aproximadamente 35 pinturas, 11 dibujos y 60 bocetos. Incluye, al igual que la muestra de León Ferrari, documentación de su archivo personal como cuadernos de notas, dibujos y otros escritos

En el mismo museo pero en julio, Helmut Newton ocupará gran parte de las salas. El artista fue señalado como uno de los fotógrafos más reconocidos y controvertidos del siglo XX. Su obra desafía las convenciones, creando un nuevo estilo: sus fotografías contiene glamour y erotismo, en las que predominan los desnudos femeninos y los tacos altos. Es recordado también por sus fotos de “moda ortopédica” donde sus famosas modelos posaron con muletas, sillas de rueda y otros dispositivos médicos.  La muestra reunirá una selección de 150 copias en diferentes formatos realizadas entre fines de 60 y comienzos del 2000, además de material documental.

Por otro lado, la Fundación PROA inaugurará para el mes de marzo una muestra que reúne una selección de obras de artistas mujeres internacionales y argentinas, que tuvieron sus presentaciones individuales o grupales desde su apertura en 1996. La intención es que mediante el diálogo de estas piezas, se planteen nuevos interrogantes dentro  la escena cultural y artística. Algunas de ellas son: Louise Bourgeois, Mona Hatoum, el colectivo Mujeres Creando (de Bolivia), Marta Minujín, Ana Gallardo, Mujeres Públicas (de Argentina), Mónica Girón, Margarita Paksa, Diana Aizenberg, Luciana Lamothe, entre otras.

Mientras tanto, La Colección Amalita, conocida también como Museo Fortabat, va a proponer sugestivas exhibiciones, pero aún no han revelado todos los detalles.

Presentará en marzo una muestra de Matías Duville con curaduría de Gabriel Pérez Barreiro.  El artista nacido en Quilmes es un referente del dibujo en el ámbito local y a partir de estos trazos elabora toda su obra que incluye figuras tridimensionales, videos e instalaciones. Su trabajo se caracteriza por la experimentación de soportes y materiales, también  por evocar escenas desoladas con atmósferas enrarecidas y atemporales.

Por último, en el mismo lugar pero en Julio, Santiago García Sáenz, conocido como “el pintor de la Pampa” presentará una muestra antológica, con curaduría de Pablo León de la Barra.

El 2020 será un año lleno de expectativas en el mundo del arte local y con propuestas muy distintas, en el cual a pesar de contar con pocos recursos, se piensa en su optimización  para brindarle la mejor experiencia posible a los espectadores. Por eso se le da mucha importancia a la documentación complementaria, charlas y  videos para reconstruir el contexto.

Redactado por Mariana Gioiosa

Mirá festival de arte, realizó su sexta edición en el Centro Cultural Borges con buena respuesta del público y diversas propuestas artísticas. Durante el evento, además de presentar cuatro pabellones con obra expuesta por eclécticos  artistas visuales, se pudo disfrutar de covers de canciones conocidas de Los Beatles y Bossa Nova. Lechu, el cantante que estuvo a cargo de esta acción. Se instaló por ratos en cada una de las salas con una guitarra y equipo de audio, propiciando a los espectadores la posibilidad de combinar las dos experiencias artísticas.  También resultó llamativo el concurso de Body Painting organizado por Pintafan. Los cuerpos intervenidos circularon por todo el predio y luego culminaron con un desfile en el espacio central. Se destacaron los trabajos relacionados con pinturas rituales de los pueblos originarios.

En el primer pabellón, el internacional, Mirá le rindió homenaje principalmente  al Dibujo Argentino Contemporáneo. Esta sección contó con un amplio espacio en este predio y reunió más de 20 premios nacionales y municipales de dibujo. Fue curada por Olga Orlando. Algunos de los trabajos que se pudieron apreciar pertenecen a los dibujantes Jorge Tapia, Blas Vidas, Carlos Carbona, Jorge Melguides  y Eduardo Silberstein, entre otros. Dentro de este núcleo fue muy comentada por la calidad y tamaño piezas de Daniel Corvino que refleja escenas de conflictos urbanos y sociales

Sobresalió además la obra de Fala. Placas de chapas en formato cuadrangular trabajadas con cinceles y   pinceladas de acrílico en el centro. Resultó atractivo el contraste que se generó entre el metal gris  consistente, brillante y frío con las pinceladas opacas, laxas y cálidas color magenta.  Por su parte, Maria Claudia Berraondo, artista de Tucumán, priorizó las texturas blandas, inspirada en los tejidos del noroeste argentino. Descubrió que el aguayo puede dar contenido  contemporáneo a un soporte histórico. Los diferentes elementos generan tonos y texturas que exalta la sensibilidad de los materiales.

En la sala siguiente, se destacó la serie de Ingrid Haubrich, una artista que al vivir frente al mediterráneo tiene las gotas de mar frente a sus ojos. Sus “mareas” embravecidas acompañaban el movimiento del caminante que las obras y parecía salpicarlo. Prudencio Hernández invitó a ser parte de sus paisajes fantásticos. Los personajes  y estructuras urbanas  coloridas se encuentran envueltos por una dinámica circular

Virginia Subinaghi destaca la interioridad con una sensibilidad que tiende a lo femenino. Una mujer se encuentra de espalda volcada hacia su propio mundo. Ella mira hacia adentro del cuadro  para ser contemplada desde afuera por nosotros.

En el tercer pabellón nos recibe las obras de Pedro Melnitzky , oriundo de la ciudad de Colonia del Sacramento. Plasma en los lienzos la naturaleza frondosa que lo rodea. Luis Savasta, por su parte, propone paisajes humanos, donde el encuentro con la mirada es fundamental. En estas pinturas, el trazo del dibujo es tan intenso como el color que lo rodea

En los trabajos de Mario Furman, el pequeño tamaño cobra gran dimensión por el acercamiento al tema que platea. Se trata de un recorrido urbano de la villa 31 donde su mirada de arquitecto además de citar la arquitectura de naipes que caracteriza ese entorno,  transmite las circunstancias que se presentan en este barrio en la vida cotidiana.

Raúl Blisniuk ocupó el cuarto pabellón, en el que se pudo ver un homenaje a John Lennon con obras realizadas  y coleccionadas por el artista. Logró convertir este  espacio en una gran habitación adolescente con posters elevados sobre las cabezas, muñecos de los Beatles y una estética pop con colores flúor y chillones.

Fue interesante como incorporó la figura de John Lennon al lenguaje universal de la pintura, en algunos casos mejor logrados que otros. El rostro ploteado del cantante se encontraba tanto sobre pinturas destacadas de artistas internacionales como Jackson Pollock, Piet Mondrian, Lucio Fontana o nacionales entre los que se encontraban Antonio Berni, Emilio Pettoruti y Nicolas García Uriburu. El realce de las obras lo dió el acabo final con una aplicación de resina poliéster sobre la pintura que le otorgó una transparencia y brillo

La agenda de arte y cultura anual de la ciudad de Buenos Aires incluye varios eventos relacionados con las artes visuales  que apunta a reactivar el mercado del arte y dar a conocer nuevos artistas como arteBA, BA Photo, MAPA, y BADA. Hace seis años MIRÁ Festival de Arte logró entrar en el calendario brindándole a artistas emergentes y consagrados un espacio diferente para conocer sus producciones. Que florezcan mil flores.

Redactado por Mariana Gioiosa.

En los espacios intervenidos por el gran artista italiano, se articulan los conceptos en los que se interesó desde los inicios de su trayectoria: el arte, la política y la vida. Pistoletto se ganó reconocimiento internacional por dar conocer la fórmula del Tercer Paraíso en las ciudades que participa, crear un gran espacio dedicado a actividades relacionadas con el arte, ética y transformación social que llamó Cittádellarte; y fue uno de los padres del Arte Povera, entre otras importantes acciones.

El circuito comienza en los Jardines de la embajada de Italia con  “Il Tondo Delle Otto Porte”. Una instalación con disposición circular, conformada por marcos, puertas y espejos  con la inscripción “Amar las Diferencias” en ocho idiomas diferentes. Se puede visitar llamando a la embajada previamente.

A pocos metros, en el Museo de Bellas Artes se encuentra una de sus conocidas obras, La Venus de los Trapos: La diosa romana que simboliza la belleza más allá del tiempo, contrasta con las telas que quedaron en desuso.

Luego continúa el recorrido con un conjunto de trabajos del artista, que es el de mayor envergadura que se presenta en el contexto de Bienalsur. Se trata de una gran instalación realizada en el Museo de los Inmigrantes que consiste en una estructura laberíntica con aberturas que remiten al hombre de Vitruvio de Leonardo Davinci. Sobre ellas hay un cartel con el nombre de todas las actividades que se realizan en la sociedad contemporánea y dentro de cada módulo la interpretación que le da el artista a estas.

En el Museo Benito Quinquela Martín del barrio de La Boca, el artista utilizó piedras para  representar el símbolo emblemático del Tercer Paraíso. Esta fórmula que Pistoletto descubrió responde a la necesidad que tiene el ser humano en la actualidad de inventar otra dimensión que una la naturaleza con la tecnología. Se representa con el símbolo del infinito y se le agrega un tercer círculo para unir a las otras dimensiones.

Y continuando con el itinerario, en el Riachuelo a la altura del museo antes mencionado, se observa el mismo símbolo recreado por 3000 botellas coloridas pintadas por niños de barrios carenciados de la capital.

Además, en varios espacios expositivos como Museo de Arte Decorativo y Museo de Bellas Artes, se encuentra a modo de puerta “Il segno dell´ arte”. El artista llegó a esta imagen a partir de reformular las proporciones ideales del cuerpo humano de Davinci, en el que tomó en cuenta  las dimensiones de su cuerpo, y que haya distancias equitativas entre los miembros superiores y los inferiores.

Pistoletto dijo sobre los signos que la tradición impone uno para todos, tanto en el campo religioso, político o publicitario. Ellos se encuentran en todas partes, nos invaden, pero solo los artistas crearon los personales. Llegó el momento que todos nos hagamos responsables de tener un signo propio “Todos los que tienen un signo propio poseen la llave de la puerta al arte”,  analizó con respecto a estas instalaciones.

La serie de piezas que están en el recorrido artístico tiene como finalidad transitar por distintas experiencias que motiven a emprender un cambio ético que modifique la forma en la que habitamos los espacios. “Es algo que la Humanidad necesita con urgencia”, Concluye.

Este circuito se presenta en el contexto de Bienalsur, la Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur, que sucede a lo largo de dos años. Cuenta con exposiciones de prestigiosos artistas nacionales e internacionales, acciones y charlas sobre temas relacionados con el arte. Surgió en el seno de la Universidad Tres de Febrero en el 2017 y sus directores son Aníbal Jozami y Diana Wechsler. Además presenta un formato novedoso que permite seguir estas eclécticas propuestas que suceden a lo largo del mundo  de forma virtual.  

En esta edición participan más de 400 artistas y si bien el eje central está en Buenos Aires, Argentina, se realizan acciones en 43 ciudades de 20 países. Además de Pistoletto, otros de los nombres que más se escuchan son: Makoto Azuma(Japón), Bill Viola, Martha Rosler, David Lynch (Estados Unidos), Reza Aramesh (Irán), Agnès Varda, Sophie Calle, Annette Messager (Francia).

Las inauguraciones  que se realizan en los distintos espacios transcurren de manera escalonada en los distintos espacios hasta diciembre del 2019. Se puede ver la programación completa en https://bienalsur.org/es

Escrito por Mariana Gioiosa

Como parte del homenaje a la trayectoria del gran artista cinético Julio Le Parc, también considerado dentro de los movimientos Op Art y Arte Conceptual, habrá una retrospectiva de toda su obra en el CCK. Abundaran los efectos ópticos, colores estridentes y móviles. Para esta muestra, probablemente se incluya una sala con experiencias de realidad virtual.

En el Museo Nacional de Bellas Artes se realizará otra importante exhibición de Le Parc, centrada en su última década de producción en Buenos Aires y sus comienzos en París. En esta ocasión, sus trabajos en papel y cajas tendrán el lugar protagónico. Además, es posible que se realice una intervención con luces en el obelisco y como broche final, todo indica que el artista tendrá presencia en el Teatro Colón, tanto en el centro de experimentación mediante trabajos pocos conocidos, como en el cuerpo principal con intervenciones especiales en noches de gala.

Esta notable institución pública de arte, alojará otras interesantes muestras, como la retrospectiva de Carlos Alonso, gran maestro del dibujo y la pintura; y la artista Norah Borges, hermana del famoso escritor argentino, recordada por sus pinturas nostálgicas, que retratan recuerdos y fantasías de la infancia donde conviven niños tímidos, ángeles y sirenas.

En el MALBA, Leandro Erlich, destacado por crear esculturas y grandes instalaciones que engañan a los sentidos,  presentará ¨Liminal¨ su primera exposición antológica en Argentina que abarca un período de más de dos décadas.

En los Museos de la Universidad Nacional de Tres de Febrero (MUNTREF), que serán sedes de BIENALSUR 2019, se verán exhibiciones y proyectos de destacados artistas. Uno de los ejemplos es Michelangelo Pistoletto, promotor de la ¨demopráctica¨, poder del pueblo puesto en acción a través de las agrupaciones ya existentes, uno de los padres del Arte Povera y descubridor de la fórmula del Tercer Paraiso: unión de la naturaleza y artificio para generar un mundo nuevo. Otra personalidad que se destaca, entre otras importantes figuras es Azuma Makioto, artista japonés conocido por experimentar con plantas y arreglos florales. Entre otras hazañas, ha sorprendido enviado sus creaciones florales al espacio o sumergiéndolas a más de 1000 metros. En otras circunstancias las congeló formando gigantescas esculturas. Para esta oportunidad, presentará un proyecto que desarrolló el año pasado en las salinas de Salta.

Como parte de la Bienal, habrá actividades ligadas a “Aeroceno”, se trata de esferas flotantes que se elevan por acción del calentamiento del aire que tiene en su interior, no necesitan más que del sol y del viento para moverse. El objetivo de este trabajo es crear conciencia sobre la circulación de recursos globales y las energías renovables. Las esculturas de este proyecto fueron presentadas por el artista Tomás Saraceno durante la Conferencia Internacional sobre Cambio Climático en el año 2015 como parte de las soluciones para vivir en un planeta con menos combustibles fósiles, que dañan el medio ambiente. Saraceno es un artista que conjuga las artes visuales, la arquitectura, las ciencias naturales y las ciencias sociales. Su interés por las telarañas lo llevaron a realizar investigaciones de larga data, que luego plasmó en trabajos que se mostraron en todo el mundo. El objetivo fue volcar su visión del universo: un dominio expandido de interconexiones.

Mariana Gioiosa

RÉGIMEN DE PROMOCIÓN CULTURAL DE CABA - CONVOCATORIA 2018

En la Ciudad de Buenos aires, entra en vigencia la versión Modificada de la ley de Mecenazgo para actividades culturales.

Detallamos los requisitos, tanto generales de todas las ramas del Quehacer cultural como las específicas de artes visuales. 

Los aspirantes a beneficiarios, es decir, las  personas físicas o jurídicas deberán tener domicilio en la Ciudad Autónoma de Buenos Aires registrado en el D.N.I., y que desarrollen la actividad objeto del proyecto en dicha jurisdicción, podrán presentar en el marco del Régimen de Promoción Cultural “Mecenazgo”, proyectos culturales sin fines de lucro. 

Las personas humanas podrán solicitar para el desarrollo de sus proyectos hasta la suma de pesos cuatrocientos cincuenta mil ($450.000); excepto en los casos de aquellos encuadrados en la disciplina Patrimonio cultural, en los cuales se permite solicitar el beneficio hasta la suma de pesos quince millones ($15.000.000). 

-Podrán presentar hasta un proyecto por titular, encuadrados en una disciplina. Las personas jurídicas sin fines de lucro podrán solicitar para el desarrollo de sus proyectos hasta la suma de pesos  quince millones ($ 15.000.000). 

-Podrán presentar hasta dos (2) proyectos por  titular, encuadrados en una, o dos (2) disciplinas. 

En el supuesto caso de que el proyecto lo posibilite, sugieren dividir el mismo en etapas presupuestando cada una de ellas y estableciendo el cronograma de ejecución de las mismas.

Se recomienda considerar y tener presentes los requisitos que los beneficiarios deberán cumplimentar en el caso de la eventual aprobación de los proyectos presentados, a fin de garantizar la ejecución de los mismos.

Ver: http://www.buenosaires.gob.ar/tramites/regimen-de-promocion-cultural-mecenazgo

Normativa: 

El presente régimen se encuentra establecido por la Ley Nº 2.264 (texto consolidado por Ley N° 5.666),

Los proyectos que se presenten para emplazar obras de arte en espacios públicos deberán vincular en la solapa “documentación adicional” correspondiente ley aprobatoria, a fin de acreditar la verosimilitud de su posterior emplazamiento. El GOBIERNO DE LA CIUDAD DE BUENOS AIRES avisa también que los proyectos para producción de obra deberán vincular en la misma solapa material gráfico ilustrativo del proyecto en cuestión.

Fernando Esperon

SUBASTAS DE MAYO EN NUEVA YORK

En Nueva York, Christie´s subastó en estos días, la Colección Peggy & David Rockefeller,

un extraordinario conjunto de lotes de obras de artistas impresionistas y modernos donde

Fillette á la corbeille fleurie... de Pablo Picasso fue el máximo precio de la noche con u$s 115 millones,

seguido por “Nymphéas en fleur” , Claude Monet u$s 84,69 millones y “Odalisque couchée aux magnolias”

de Henry Matisse en u$s 80,75 Millones, como los tres precios más fuertes.

La casa británica es la única de las tres grandes casas subastadoras que anuncia el remate de pintura

latinoamericana para este mes de Mayo, ya que Sotheby´s y Phillips han incluido, como ya anunciaron, obras 

de artistas latinoamericanos en las subastas de Impresionistas y Modernos.

Mientras tanto, la filial de Sotheby´s de Nueva York incluye la pintura “Perro aullando a la luna”, considerada

como una de las obras maestras del artista mexicano Rufino Tamayo como parte de su venta de Impresionistas 

y Modernos del próximo 14 de Mayo, donde una obra de Amedeo Modigiani, “Nu couché”, el lienzo más grande

que el artista haya pintado estima venderse en u$s 150 millones, “Le repos” un superlativo lienzo de 1932 de

Pablo Picasso, de la musa durmiente Marie-Thérèse Walter que posee una paleta brillante de verdosos verdes,

carmesíes, blancos y moradosde estimado en u$s 25/35 millones, “Matinée sur la Seine” de Claude Monet,

que captura toda la poesía que sólo Monet logra transmitir creando una atmósfera única en su escena del

amanecer rompiendo sobre el agua junto a su residencia en Giverny que sale estimado en u$s 18/25 millones,

Sommernatt”, de Edward Munch en u$s 10/15 millones.

La grilla es una variada muestra de pinturas, obras en papel y esculturas de los grandes maestros de finales

del siglo XIX y principios del siglo XX.

Otros aspectos destacados incluyen una escena familiar amorosa del período rosa de Picasso, y una obra

de Benito Quinquela Martin en la venta del dia siguiente: “Tarde rosada”, un olèo que sale estimado en

u$s 40 / 60 mil.

Es difícil ante tanto oleaje en la economía mundial decir en qué estado se encuentra – en términos de

rentabilidad – el mercado del arte si queremos datos de cifras concretas, pero si, una percepción general de

los precios estimados y los posteriores cierres, nos dan una idea que el arte es  - cuando menos y a la larga -

una opción que no es superada por bonos , acciones , e incluso moneda extranjera en ningún país del mundo.

Fernando Esperon

PERSPECTIVA AUSPICIOSA PARA EL 2018

Según lo publicado en estos días por varios medios de prensa la decisión del Gobierno de reducir
la burocracia estatal también comprende a los trámites para poder sacar las obras de arte de autores
nacionales, que podrán exportarse en hasta 15 piezas por año bajo la modalidad de "equipaje de mano",
sin la necesidad de realizar trámites ante la AFIP o el Ministerio de Cultura como sucede en la actualidad.

Esta resolución "es la respuesta a muchos pedidos de los galeristas de arte, y artistas, que no podían llevar
sus obras a otros países, o simplemente, ni venderlas al exterior", señaló el ministro de Producción, Francisco
Cabrera, al anunciar en días pasados una serie de medidas que tiene por objetivo reducir la burocracia
en el Estado.

A partir del Decreto de Necesidad y Urgencia (DNU) que se publicóen el Boletín Oficial" se podrán exportar
hasta 15 obras de arte como equipaje acompañado, sin mayor trámite que un Aviso de Exportación ante el
Ministerio de Cultura, o una licencia especial, en el caso de obras de autores muertos hace más de cincuenta
años", subrayó el ministro.

Si bien no se detalla aun el mecanismo de este aviso, si se hará por vía virtual o presencial y si es a través de
un formulario, pero, con todo, la simplificación es evidente.

El funcionario además, explicó que en la actualidad el tránsito global de las obras de arte desde el país "era
sumamente engorroso", ya que se exigía no solo el pedido ante el Ministerio de Cultura sino también trámites
aduaneros excesivos que solo podían hacerse en el Aeropuerto de Ezeiza, de manera anticipada y en horarios
restringidos.

Además, artistas o galeristas debían recurrir a escribanos que certificaran las obras a exportar y, pese a cumplir
con ello, quedaban sujetos al arbitrio final de funcionarios de la Aduana, que podían aprobar o no la operación.
También los turistas compradores de arte argentino se veían forzados a dejar las obras en el país e involucrar a
despachantes, fletes y transportes internacionales.

Por todo esto, entre 2011 y 2015 las exportaciones argentinas de arte disminuyeron 73 por ciento, mientras que
en el mundo aumentaron 48 por ciento", subrayó Cabrera. Además, la nueva norma implica que el Estado dejará
de tener la opción de compra para obras de autores vivos o fallecidos dentro de los 50 años precedentes,
restringiendo de esta forma el plazo existente en la actualidad para manifestar interés, concretar compras o
completar los pagos correspondientes en lo que respecta a obras de arte.

Las obras de arte originales, los objetos de colección y las antigüedades parte de la franquicia de
importacion, aunque para ello es necesario un trámite largo y tedioso, dispuesto por la Ley 24.633.

No sabemos aún si está previsto que se agilice la importación de obras, complemento necesario para la libre
circulación de obras de arte, asi como la revisión de los gravámenes para la venta interna, que sacaría al
comercio del arte de la informalidad y lo proyectaría a un lugar de mayor relevancia, donde debe estar por su
natural funcionamiento si no lo impediría la burocracia estatal que desde hace dos décadas hace oídos sordos
a los reclamos del sector.

No obstante, la nueva reglamentación es un avance, y marca una dirección esperanzadora.

Fernando Esperon

SALVATOR MUNDI; MAS ALLÁ DE LA PINTURA MAS CARA DE LA HISTORIA

"Un ser humano puede estar 30 días sin comer, dos días sin beber agua, dos minutos sin respirar, pero sólo un segundo sin recibir un impacto", decía George Gurdjeff, el místico armenio a principios del siglo pasado.
Henri Nowen, sacerdote y filósofo cristiano fallecido en 1996, contaba que en los peores momentos de su vida, cuando no tenia fuerzas ni siquiera para elevar una plegaria, la contemplación de la "Trinidad de Rublev", el famoso ícono,
rezaba por él cuando lo contemplaba.

Uno podría preguntarse si no es providencial que una obra pintada en el año 1500, aparezca justamente en esta época de la vida humana, donde la violencia, la desigualdad y los aspectos más oscuros de la raza humana (y también los más luminosos) aparecen casi cotidianamente en todo el planeta y son vistos instantáneamente gracias a la tecnología, y, para llamar la atención masiva de los medios de comunicación de todo el planeta, se convierta en el cuadro más caro
jamás vendido.

Por otra parte, la imagen no alude a un salvador sufriendo o en la cruz, sino a un cristo que con una mirada indescifrable nos lleva, casi involuntariamente, a pensar en algo superior mientras nos bendice con una mano y sostiene una esfera que podría ser nuestro mundo teniéndola bajo su cuidado, produciendo un impacto que quedará fijado para siempre en aquellos que lo reciban.

A veces, como en éste caso el precio por alto y espectacular que parezca, es sólo un vehículo para llamar la atención sobre un mensaje de paz y benevolencia, que son los remedios más eficaces contra la locura que pareciera dominar al ser humano cuando se aleja de mensajes como éste.

Finalmente, “Salvator Mundi”, la obra en la que Leonardo Da Vinci retrata a Cristo, se vendió en Nueva York en la casa de subastas Christie´s, el 15 de Noviembre, por 450,3 millones de dólares y se convirtió así en la pintura más cara de la historia.

Fernando Esperon

Récords y solidos resultados en Londres:

Mientras una multitud acude a la primera retrospectiva de Jean Michel Basquiat en el Barbican Centre de Londres
(uno de los centros de exposición mas gandes de Europa) una de sus mas impactantes obras,, “El cráneo Rojo”,
de 1982, que es además una de las cinco pinturas más conocidas pintadas ese año (clave en la meteórica carrera
de Basquiat,) salió a la venta en Christie´s en la Subasta de Arte Contemporáneo y de Posguerraen Londres y
alcanzó los u$s 21,6 millones, convirtiéndose en el top Price de los tres remates simultáneos que acompañaron
a la Freize Art Week, (la semana de la feria Freeze en la capital británica)

Todos los ingresos de este evento (es decir, el total de la venta, que llegó a u$s 130.154.654, fueron donados
por la casa Christie´s al programa KIPP (red de escuelas públicas gratuitas de los Estados Unidos).

Tres obras más de Basquiat se vendieron en la noche, incluyendo “Untitled”, una punta de fieltro, crayola de cera,
carbón y grafito en papel que pasó por alto su alta estimación antes de venderse por u$s 2,442,456, y en el tope
le siguieron “Camp Forestia” de Peter Doig,que se fue en u$s 20,1 millones, “Cabeza con el Brazo Elevado” de
Francis Bacon, que fue exhibida por última vez en 1962 y ha permanecido oculta a la vista del público desde que
fue adquirida por sus anteriores dueños un año después, y pertenece a un grupo de nueve pinturas que
representan al entonces Papa, Pío XII y fue comprado por u$s 15 millones.

La obra de Antony Gormley, “A Case for an Angel”, se vendió por u$s 6,92 millones, un nuevo récord mundial de
subastas para el artista.
La anterior alta llegó con Angel of the North (maquette) en Christie's en 2011.

En Sotheby´s mientras tanto, las cifras tope de la subasta de arte contemporáneo fueron más modestas, y logro
totalizar u$s 87,970.297, siendo el top Price el logrado por la obra “Untitled” de Cy Twombly, vendido en u$s 8,47
millones, seguido por “15 canvas study of the grand canyon”, de David Hockneyen  u$s 7,95 millones, “Odessa”
óleo de Phillip Guston en u$s 4,97 millones,  “Cortege” de  Jean Dubuffe, en u$s 4,22 millones y
“Remote Commander” Jean Michel Basquiat en u$s 3,93 Millones.

En la misma fecha y ciudad, la casa de subastas Phillips demostró en opinión de Colin Gleadell, de la consultora
Art tactic, que puede ser un factor de peso en el mercado contemporáneo.
En una semana densamente llena de subastas de la especialidad Phillips encontró un lugar el viernes 6 por la
tarde, justo antes de la venta principal de Christie´s con una grilla encabezada por ”Bailarín” de Sigmar Polke,
que se vendió en u$s 4.4 millones, mientras que “Siniestro”  de Adrian Ghenie hizo bajar el martillo por su
estimado de u$s 2 millones, “El mapa de China” de Ai Weiwei el viernes, se vendió por debajo de la estimación
en sólo u$s 789 mil y otra escultura de Ai Weiwei , “Coca-Cola” , se vendió por u$s 297 mil. “Los cuchillos” de
Andy Warhol (1982) se vendió por u$s 3,5 millones.

Pero tal vez el punto más llamativo de las cifras obtenidas en Londres la semana pasada es que se acercan,
lenta pero seguramente, sobre todo en el caso de Christie´s a las que pueden verse en las subastas neoyorkinas
del mismo rubro, que siempre lograron cifras muy superiores. En los últimos tiempos, después de la explosión de
la burbuja que estalló en febrero de 2015, los precios del arte contemporáneo fueron recuperándose y sobre todo
recuperando su credibilidad. 

El ingreso a la escena de la casa Phillips pone un punto de equilibrio entre los dos gigantes (Christie´s
y Sotheby´s) quienes manejan la escena de las subastas desde hace mas de un siglo.

Otras casas de remates están creciendo en cifras en europa y U.S.A lo que prometen que con el tiempo, y si
las piruetas de la especulación financiera que revolotea sobre el arte se ven dificultadas por la presencia de mas
operadores, un mercado del arte más transparente y con menos sobresaltos para los auténticos coleccionistas.

Fernando Esperon

El impacto sin retórica es el que perdura

El arte- y a veces también el mercado del arte – se convierten en anticipatorios de lo que luego se
vuelven creencias y pensamientos durante un período de tiempo.

En una época donde el caos y la oscuridad se hacen tan visible, algunas expresiones del arte contemporáneo
han desdeñado lo mismo que en otras áreas de la vida cotidiana: La formación y el estudio necesarios antes
de autoproclamarse artista, único camino legítimo para llegar a desarrollar un don, que aunque natural que
debe ser nutrido y enriquecido.

En otras épocas, el artista aunque contara con un don de nacimiento, pasaba por años de estudio
y preparación, que finalmente redundaban en un refinamiento  que se iba percibiendo en la obra terminada.

Esto agregaba un valor que, percibido por compradores conocedores, se reflejaba en el precio que
alcanzaba en ventas privadas y subastas.

A veces hasta el mercado anticipaba (sin saberlo) profundos valores, ocultos a simple vista, como ocurrió
con la obra de Jackson Pollock, que casi tres décadas después de ser reconocido en el mercado norteamericano
(fogoneado por Peggy Guggenheim), científicos neozelandeses descubrieron la existencia de fractales en su trama.

Dando una mirada de mayor profundidad, el filósofo cristiano holandés Henri Nowen aseguraba que en
momentos de tristeza, angustia y depresión,la sola contemplació nde los íconos de Rublev  lo “sacaba” de estados
de angustia y negatividad, y  sentía que la obra “rezaba” por él.

Estos hechos, pocos conocidos, no pueden concebirse en obras donde el único impacto que producen reside
en la retórica, es decir en la explicación conceptual que muchas veces pretende disimular el trabajo de un talento
sin pulir, mágicamente valorado y automáticamente “inflado” por el mercado.

Afortunadamente, el valor de lo comunicado por una obra que no requiere de explicaciones sigue prevaleciendo
a la larga, en el mercado y en la gente.

Fernando Esperon

Altos totales en el verano de Londres : Suba o nueva burbuja?

Las ventas de Londres en el terreno de Arte Impresionista, Moderno y Contemporáneo,
siguen en suba por segundo año consecutivo desde el fiasco de febrero del 2015.

En las ventas de verano de la semana que terminó, las cifras son contundentes y dan
cada vez más confianza a los coleccionistas, ya no sólo en las franjas de los récords,
sino en los totales recaudados,

Lejos de prensar en una nueva burbuja, los coleccionistas compran con entusiasmo,
al punto que los totales de los remates londinenses, (tradicionalmente menores por mucho
a las cifras de Nueva York) acortaron la brecha, las ventas las jornadas nocturnas de arte
Impresionista y Moderno en Londres de fin de Junio, llegaron a un total de u$s 459 millones
(excluyendo las subastas satélites), contra una estimación total de pre-venta que se esperaba
de entre u$s 341,2 y 454,5 millones.

El total sumado entre las ventas de Sotheby's y Christie's fue 126% más alto que en junio de 2016.

Sotheby's comenzó las ventas de Londres en junio ofreciendo 35 lotes a través de sus dos ventas
por la noche el 21 de junio, logrando un total combinado de u$s 192 millones.

La de Arte Contemporáneo de la misma casa del 28 de Junio con una cifra más modesta que la de
Impresionistas totalizó u$s 99 Millones, pero está por encima de lo estadístico de su rubro en los
remates de la capital británica.

Christie's secundó a Sotheby's en cifras de Impresionistas y Modernos del 27 de junio, al alcanzar
un total de u$s 168.12 millones, quedando por debajo de la estimación de pre-venta de entre
u$s 181 y 246.8 millones.

Sin embargo, el resultado de la subasta mostró- según el estudio publicado en estos días por la
consultora internacional Art Tactics, un aumento del 495% en cifras sobre el resultado del año pasado,
que es además el más alto desde 2012.

Fernando Esperon

UN CAMBIO GLOBAL DE PARADIGMA O LA INVASIÓN ONLINE

En el mercado del arte de todo el mundo se viene gestando un fuerte cambio de paradigma, que puede notarse
desde los hábitos de compra hasta los gustos, los precios y la consultora Hiscox publica datos acerca de las
nuevas tendencias y hábitos de compra de los jóvenes coleccionistas.

Las casas subastadoras Christie's y Sotheby's están emergiendo como líderes en el mercado de las ventas de
arte online, según el informe anual de la aseguradora publicado el 25 de abril último.

El volumen de operaciones online de Christie's aumentó un 34% en 2016 de 162 millones a 217 millones de
dólares, mientras que las actividades equivalentes de Sotheby's crecieron un 19% a 155 millones de dólares,
según el Hiscox Online Art Trade Report, producido en asociación con ArtTactic, plasmado en una encuesta
de 758 compradores de arte.

El año pasado, Christie's registró un alza de 84% en las ventas en línea en 2016 con respecto al año anterior.
La aplicación de fotos Instagram superó a Facebook como la plataforma más popular, el 57% de los
compradores de arte dice que Instagram es el más visto. Instagram es también el favorito de los galeristas:
El 57% dice que la plataforma es la más efectiva para publicitary también vender en línea obras de
hasta u$s 5.000.

En este sentido, Facebook y Twitter eran las redes dominantes en 2016, pero, por primera vez desde que
se realizaron mediciones, Instagram supera a Facebook como la red social más eficaz para ventas, subastas,
museos, y promoción (60% de los galeristas contra el 40% restante, que se inclina por Facebook).

Fuera de las redes sociales – termina el informe, el 55% de los encuestados dijo que utiliza plataformas
online para sus compras de arte, seguidos de subastas online en un 38%, y páginas web de galerías el 29%.
Respecto a las tendencias de compra de esta generación, éstos destacan que lo que más les interesa adquirir
son obras gráficas (80%), pinturas (65%) y fotografías (59%).

Siendo que en el 60% de las ventas, es por cifras menores a los u$s 1.000  por pieza - termina el informe.

Fernando Esperon

AQUÍ Y EN EL EXTERIOR, BUENAS PERSPECTIVAS

La escena internacional del mercado del arte, que en términos generales hoy es optimista ante
los u$s 363 millones que se facturaron en estas últimas dos semanas en Londres y también termina
con los vientos de crisis del invierno de 2016.

Una cifra que se compone de u$s 163,8 millones recaudados entre las dos jornadas de la subastas de
arte Contemporáneo de los días 8 y 9 de Marzo, muy superior a los u$s 104 millones de febrero del año
pasado, y más cerca de la cifra de u$s 170,7 millones vendidos en Febrero del 2015.

No obstante, según un informe realizado por encargo de la Feria TEFAF - una de las más prestigiosas
del mundo - el mayor cambio en 2016 fue la caída en la cantidad de obras vendidas en subastas, mientras
que subió la cantidad realizada a través de dealers y galeristas, que en 2016 representaron el 63% de las
ventas mundiales, un 20% más que en 2015.

El resultado de esto es que las cifras generales de venta están creciendo en 2017, pero los precios
unitarios de las obras se estabilizaron y en el caso de la gama más alta, bajaron.

Otros cambios han sido muy palpables, sobre todo en el extremo de la gama más accesible del mercado,
en donde más del 75% de las ventas se realizaron online, a través de sitios web para las obras
de hasta 5.000 Dólares.

Los datos de ventas también han indicado algunos cambios posibles en el gusto de los compradores.

Fernando Esperon

ARCO MADRID, INVITACIÓN Y POLÉMICA

Si bien se produjo un debate sobre el envío argentino a la Feria de Arco/Madrid donde fue el país invitado, es cierto que los
envíos y las secciones en los que intervienen entes estatales, están, estuvieron y muy probablemente estarán poblados de
subjetividad, como lo reconoció en una nota periodística el mismo Pablo Avelutto, ministro de Cultura de la Nación.

Tampoco es ésta la primera vez que la mitad del país piensa que la selección es arbitraria y no representativa, mientras que
la otra mitad piensa que si lo es. En ese sentido nuestro país muestra en el ámbito de la cultura, la misma polaridad de
opiniones que en muchos otros temas.

Lo cierto es que - tras el paréntesis del 35º aniversario de ARCO/MADRID, la Feria Internacional de Arte Contemporáneo
organizada por IFEMA, retoma su sección de tener un país invitado y en 2017 es el turno de presentar a Argentina -
precedida por su fama de poseer una producción artística de primer nivel - como invitado de honor.

Así la 36ª edición, que abrió el 22 y sigue hasta el 26 de febrero, incluye el programa Focus Argentina, en su formato
tradicional que abarcará tanto la presencia de galerías como a distintas exposiciones  de argentinos en Madrid, que con
curaduría de Sonia Becce  mostrará una porción de la actualidad artística argentina en diferentes espacios de España.

De la misma manera, en el “Foro de Expertos”, los profesionales del tema sumarán pareceres sobre la actualidad de nuestro
mercado del arte, y ofrecerán una visión relevante en torno al coleccionismo, la curaduría y la crítica en nuestro país.

El programa Focus Argentina contará con la colaboración del Ministerio de Cultura argentino.

Fernando Esperon

ARGENTINOS EN LAS SUBASTAS LATINOAMERICANAS DE NEW YORK

Las subastas de Modernos y Contemporáneos Latinoamericanos de esta temporada que se
realizan mañana y pasado en Nueva York, incluye la grilla de Sotheby´s 14 obras de artistas
argentinos cuyo mayor estimado es para “La copa azul” de Emilio Petorutti, que junto a
“Untitled” de Leon Ferrari, comparten el estimado de u$s 125/175 mil, seguidos por otro “Untitled”
pero de Guillermo Kuitca, en u$s 100/150 mil, “Tarde Rosada” de Benito Quinquela Martín,
en u$s 70/90 mil, “Untitled” de Ennio Iommi, estimado en u$s 30 /40 mil, y dos versiones de
“Atmosphere Cromoplastique”  de Luis Tomasello : la N° 183 en u$s 25/30 mil, y la n° 38 en
u$s 40/60 mil, luego, “Fontana Mix” de Kazuya Sakai sale estimada en u$s 30/40 mil, “Géométrie
Spatiale #3051” de Antonio Asis en  u$s 18/22 mil, a la que siguen dos obras de Antonio Segui,
“Bucólico” estimada en u$s 15/20 mil y “Landscape with St Bernard” en u$s 18/22 mil, dos de
Fernando Canovas :“Untitled”, estimada en u$s 8./10 mil y “Los campeones” en u$s 30/40 mil,
cerrando con “Structural porn Paintant remix” de Fabian Marcaccio en u$s 20/25 mil.

En Christie´s, también los días 22 y 23, donde encabezan siete obras que llegan al millón de
dólares: “Sur les traces” de Wifredo Lam, estimado en  u$s 2,5/3,5 Millones, “A Family”,
de Fernando Botero en u$s 1,2 / 1,8 Millones,“Sandías”, de Rufino Tamayo en u$s 1,2/1,8 Millones,
“Los ricos”, de Fernando Botero en u$s 1/1,5 Millones, Untitled”, de Amelia Peláez en 800 mil /1,2 millones,
“Pelea de gallos”, de Mariano Rodríguez estimado en u$s 800 / 1,2 Millones y “Untitled” (Relief No 325)
de Sergio Camargo, estimado en 1/1,5 Millones. 

Con 21 de los 213 lotes en venta que son obras de argentinos, hay una de ellas que está entre las diez
de mayor estimado de la subasta: “Deng Haag - Praha, de Guillermo Kuitca, estimado en u$s 600 /800 mil,
seguida por “Untitled” de Leon Ferrari en u$s100 / 150 mil. En las de cinco cifras, “Sun and Cold on Nassau
Street ...” de Rómulo Macció sale estimada en u$s 70 / 90 mil, Atmosphère chromoplastique No 2...
de Luis Tomasello que tiene un estimado de u$s 40/60 mil., “Tarde gris” de Benito Quinquela Martín en
u$s 30/40 mil, “Llegada de pescadores” también de Benito Quinquela Martín, pero estimada en u$s 25/30 mil,
“Untitled” de Antonio Asís en u$s 45 / 55 mil, “Volumina / Ligeti” Kazuya Sakai, estimado en u$s 20 /25 mil
“Trois poèmes d' Henri Michaux” Kazuya Sakai, estimado en u$s 20 / 25 mil, “Espectros III” de Alfredo
Hlito, en u$s 35/45 mil, “Modulos” de Rogelio Pollesello en u$s 12/18 mil , “Salir en paños menores” de
Antonio Seguí en u$s 50/70 mil,  “Algunos de mal humor” de Antonio Seguí en u$s 40/60 mil, “Abstracción
n. 4” de Martha Boto estimado en u$s 40/60 mil,  “Ombú”, Nicolás García Uriburu estimado en u$s 15/20 mil,
“Alice in a Pool of Tears” Liliana Porter estimado en u$s 12/18 mil, “Grande Imanta” Alicia Penalba estimado
en u$s 35/45 mil, “Carnaval” Mario Segundo Pérez, estimado en u$s 15 / 20 mil, “Numerados” Antonio Seguí,
estimado en u$s 15/20 mil, “Untitled” de FlorencioMolina Campos, en u$s 18/22 mil  y “Serie roja--Óvalo
No 4” de Mondongo, en u$s 18/22 mil.

Con respecto a Phillips, tercer casa de subastas, que tiene su especial de arte Latinoamericano, se destacan
los siguientes lotes: “Un taller para el joven Kuitca” de Guillermo Kuitca con un estimado en u$s 60/80 mil,
“Untitled” de León Ferrari en u$s 40/60 mil, “A 17 grados de la vertical” de Víctor Grippo en $s 40/60 mil,
entre otros argentinos, como Polesello, Le Parc, Asis.

Fernando Esperon

ARTE Y SHOW MEZCLADOS EN LAS GRANDES SUBASTADORAS BRITÁNICAS

La vuelta al mundo que acaba de completar la Colección de David Bowie, que comenzará y terminará en Lóndres
(rematándose el 18 de éste mes), es sólo una de las tantas subastas que Christie´s y Sotheby´s realizan ya desde
los 60, cuando el arte Pop de la mano de Andy Warhol mezcló políticos, actores y músicos con el hasta entonces
severo y mundo académico del arte.

Una joya usada por Marilyn Monroe, un traje de Rudolf Nureyev o una guitarra de Elvis Presley podía lograr una
alta cotización sólo porque lo poseyó alguien de gran fama, no importa como ésta haya sido conseguida, como en
el caso de un Oldsmobile que se decía que había sido usado por Al Capone, en una Subasta de Sotheby´s / RM,
lo que hizo subir la base de remate considerablente

También, la casa Julien's Auction - especializada en vender obras y objetos que pertenecieron a las leyendas
de Hollywood – organizó en Junio una subasta de pertenencias de Marilyn Monroe, que incluyó por ejemplo,
un par de sandalias de cuero.

Tal vez esto sea ni más ni menos, sólo parte de lo que está ocurriendo en un mundo donde los políticos bailan
en programas de televisión y ventilan la intimidad de sus oponentes sin ningún reparo ni buen gusto.

El arte siempre estuvo ahí para ser vanguardia de pensamiento de una especie que se esforzaba por aprender
de sus predecesores y difundir valores más elevados, ensalzando las tendencias positivas del ser humano,
o mostrando su carencia por oposición, pero siempre dejaba claro que había una línea entre el bien y el
mal, entre lo bello y lo grotesco, entre lo elevado y lo inhumano, aunque el límite pudiera presentarse
borroso en algunos casos, estaba claro que siempre el bien debería prevalecer como objetivo
de la raza humana.

Pero no es que el arte haya alterado su función, si no  simplemente que actúa como espejo de una
sociedad donde lo superficial prevalece hasta el aburrimiento.

Fernando Esperon

EL MERCADO DEL ARTE Y EL APOYO SOCIAL

La llegada de Art Basel a Buenos Aires anunciada para el año próximo por el Gobierno de la
Ciudad de Buenos Aires firmó un convenio con directivos de la Feria a tal efecto en La Usina
del Arte el mes que finaliza, volvió a poner la atención sobre dos temas de vital importancia
pero postergada solución: la legislación vigente acerca de la entrada y salida de las obras
de artistas emergentes desde y al exterior, dos temas que siguen sin tener respuesta oficial,
pero que genera (salvo honrosas excepciones) obstáculos en la actividad diaria a promotores
y artistas, para llevar adelante la tarea de promover nuestro arte en el exterior, tarea que,
correctamente encauzada y apoyada puede representar un aporte importante
a las arcas del estado.

Sería de gran valor para la actividad que Argentina adecúe sus leyes y reglamentaciones
tributarias y aduaneras a las que rigen la actividad en el resto del mundo del que es parte,
si no, las ferias como Art Basel y otras que han puesto sus ojos en nuestro país verán
probablemente decaer su interés en este mercado.

Entre las buenas noticias en este sentido, está el ingreso al parlamento de la Ley de
Mecenazgo, ya vigente en la Ciudad de Buenos Aires y en la Provincia de Tucumán,
que actualmente está en proceso de aprobación en el Congreso Nacional para convertirse
en ley en todo el territorio nacional, y que prevee ventajas impositivas de importancia para
las empresas que auspicien eventos relacionados con el arte y adquisiciones con fines de
difusión, es decir, de exhibición pública.

Es conocido por todos el hecho de que en muchos países,el arte tuvo un boom a partir
del apoyo estatal, como sucedióen la ciudad de Nueva York en la década del ´60, que llevo
a los artistas locales a un desarrollo en sus cotizaciones que aún hoy sigue su ruta ascendente
y genera millones de dólares en industrias colaterales, como el turismo y otras.

Fernando Esperon

UN CONGRESO QUE SUMA SOLIDEZ AL MERCADO

El sábado 3 de Septiembre próximo se realizará en la Ciudad de Buenos Aires el Congreso Internacional de Peritaje de Obras
de Arte para intercambiar experiencias y ofrecer conocimientos acerca de la importancia de la aplicación tecnológica que
permite la identificación y protección del valor y la autenticidad de las obras de arte.

El encuentro, fue declarado de Interés general por Presidencia de la Nación, y de Interés Cultural por el Ministerio de Cultura,
y tendrá cobertura de la TV Pública. Oradores internacionales, y participación de peritos de arte de Argentina, Convierten este
evento en una herramienta de gran utilidad para el  crecimiento de las distintas disciplinas vinculadas al arte en nuestra región.

El evento finalizará con la presentación de un laboratorio móvil que permitirá vivir la experiencia del peritaje y poner en práctica
muchos de los contenidos teóricos volcados en el congreso. es decir, que los asistentes podrán vivenciar las intervenciones
que se le dan a una  obra de arte y la manera en que los peritos utilizan ciertas herramientas para poder arribar a conclusiones
sobre la autenticidad o falsedad de una pieza.

Esta primera edición de ICAE tiene como objetivo generar consciencia acerca de la importancia de métodos fiables para
determinar la autoría  de las obras, propiciando el saneamiento de obra falsa dentro del mercado comercial del arte y presenta
tres ejes temáticos: Las nuevas tecnologías  y su aporte a la ciencia del peritaje. La investigación pericial interdisciplinaria.
Los expertos en arte y la necesidad de coordinación público-privada en la protección del patrimonio artístico
y cultural de un País.

Asimismo, habrá ponencias con profesionales de las artes y la investigación de diferentes áreas: Mobiliario, Gemología,
Pericia Caligráfica Forense, Documentoscopía y Orfebrería. Peritaje, conservación, investigación científica, estilos artísticos
y legislación vinculada al patrimonio cultural.

Datos Prácticos

http://www.icae.com.ar/

Para conocer el cronograma y detalle de actividades: http://www.icae.com.ar/programa/

ICAE 2016 se realizará el sábado 3 de septiembre en el centro de convenciones Golden Center, ubicado en
Av. Cantilo y Guiraldes s/n, Parque Norte, Buenos Aires.

El valor de la entrada es de $ 650 (u$s 45). Para info e inscripción:  info@icae.com.ar / +54 9 11 5379 9100 / +54 9 11 5185 2294

LONDRES CONTEMPORANEOS

El 28 y 29 de junio último, Sotheby´s  subastó un catálogo de 46 lotes con nombres como Sigmar Polke, Lucio Fontana, Rudolf Stingel, Cy Twombly, Andy Warhol, Keith Haring y Jean-Michel Basquiat,
Las cifras, si bien poco impresionantes si las comparamos con las del arte contempòraneo de las subastas de Nueva York, son indicadores de un mercado que busca reponerse, y lo logra apenas, considerando que opera con obras de una franja mucho menor.

Es interesante observar la diferencia entre  lo que se estimaba para la venta  y los resultados finales - previsibles en algunos casos -  y sorprendente en otros.

“Roter Fish” de Sigmar Polke, encabezó la grilla de estimados con u$s 5 / 6,6 Millones, pero sólo llegó a una cifra más baja de su estimado de mínima: u$s 4,1 Millones, y fue superada por  “Shift” de Jenny Saville, que de un estimado de máxima de u$s 2,6 Millones paso a liderar la venta cuando llegó a u$s 9 Millones, escoltada por “The last Rainforest” de Keith Haring, estimado en u$s 2,7 / 3,9 Millones y vendida en u$s 5,5 Millones, “ Four Marilyns” de Andy Warhol de u$s 2,4 / 3,4 Millones a u$s  3,8 Millones,“Untitled Blue Monochrome” de Yves Klein de u$s 2 / 2, 6 Millones a u$s 2,9 Millones, y “ Barbre de lumière des aveugles” estimado en u$s 1, 6 / 2,4 Millones y vendido en u$s 4,2 Millones.

En Christie´s, “Abstraktes bild “ de Gerard Richter, cuyo estimado se daba sólo a requerimiento del postor finalmente no se vendió, y los top prices fueron para “Pork” de Jean Michel Basquiat, en u$s 6, 8 Millones, “Two dólar Bills” de Andy Warhol, estimado en  u$s 5,4 / 8,1 Millones y vendido en u$s 5,9 Millones, “Sculpture éponge bleue sans titre”  de Yves Klein, estimada en u$s 3,4 / 4,7 Millones y vendida en u$s 4,3 Millones, ”Autorretrato” de Jean Michel Basquiat se fue en u$s 4,7 Millones .

Fernando Esperon

LATINOAMERICANOS, CON MARCAS PREVISIBLES

Sin estridencias, las subastas de arte latinoamericano de de Christie´s, Sotheby´s y Phillips arrojaron
resultados dentro de lo previsible, sin generar subas extraordinarias.

En Christie´s, la venta total fue de u$s 19.145.750 con “Maestros Cantores” de Rufino Tamayo a la cabeza,
que logró u$s 2,16 Millones, seguido por “Niña con rebozo” de Diego Rivera, que alcanzó los u$s 1,2 Millones,
mientras que “Le Sabbat” de Wilfredo Lam se vendió en u$s 785 mil.

Entre los argentinos, “La Boca del Tigre del Guillermo Kuitca se fue en u$s 137 mil “Grande Annonciatrice” de
Alicia Peñalba en u$s 56.250 “Untitled” de Florencio Molina Campos en u$s 37.500,  “Llegada de pescadores”
de Benito Quinquela Martín en u$s 32.500, “Trois poèmes d´Henri Michaux” de Kazuya Sakai en u$s 30.000,
“Vibration couleur, bleu et jaume” de Antonio Asis en u$s 27.500,  “Inmigrantes II” de Mario Segundo Perez 
en u$s 27.500  “Untitled” de Antonio Seguí en u$s 27.500 “Untitled” de Benito Quinquela Martín en u$s 25.000
“Perpetusa / Peter Lewis” de Kazuya Sakai en u$s 21.250, “Mareas” de Cristina Ghetti en u$s 17.500,
“Three Yellows II, tanita” de César Paternosto en  u$s 12.500 “Talismanic object” de Marcelo Bonevardi en
u$s 11.875 , “Untitled  de Florencio Molina Campos en u$s 10.000 y “Untitled “ de Rogelio
Pollesello en u$s 9.375

En Sotheby´s se vendió un total de u$s 16.266.875. “El fisgón (the Voyeur)” de Rufino Tamayo se fue en
u$s 970,000, al igual que “The emperor” de  Claudio Bravo, que se vendió en u$s 910.00, “Constructivo
doble línea” de Joaquín Torres García que se fue en u$s 880 mil.

Entre los argentinos, “Untitled” de Guillermo Kuitca se fue en u$s 125 mil,  “S/T” de León Ferrari en u$s 60 mil,
y otro “Untitled”, el de Fernando Canovas, duplicó largamente su estimado promedio al venderse en u$s 55 mil,
“Atmosphere cromoplastique” de Luis Tomasello, hizo bajar el martillo en u$s 60 mil “Rincón de la Boca”, de
Benito Quinquela Martin  salió por su base en u$s 20 mil, como “Continuel Lumière Mobile” de Julio Le Parc

En Phillips, “Samurai Tree” de Gabriel Orozco  fue el Top Price de la grilla en u$s 418 mil.
De los argentinos, Guillermo Kuitca - el argentino mejor cotizado en las tres subastas - tuvo la marca más alta
con “S/T” (Zurich) en u$s 175.000, “Serie 31D No. 33, de Julio Le Parc en U$s 62.000 “Círculo Rojo y Negro
Sobre Blanco”,  de Antonio Asis  u$s25 mil “Textura” de Antonio Seguí en u$s 23.750, “Celeste...mi color
preferido” de Florencio Molina Campos en u$s 20  mil “Charco de sangre-víctima serial” de Jorge Macchi
en u$s 15 mil, y dos “Untitled” de Antonio Asis, en u$s 10.625 y u$s 6.250 respectivamente.

Fernando Esperon

LATINOAMERICANOS, INVERSIÓN INDISCUTIBLE DE LA ÚLTIMA DÉCADA

Es - como siempre - imposible medir la inversión en arte en porcentajes de rentabilidad que sean absolutos, y más
cuando estamos frente a una economía mundial que en el área de las inversiones bursátiles no ofrece mucho.

Tomando como ejemplo los estimados del tope de las grillas de los próximos remates, en Sotheby´s “El Fisgón”
de Rufino Tamayo, que tiene un estimado de u$s 1/1,5 Millones, cuando una década atrás los precios tope del
artista tomando obras del mismo período técnica y medida no pasaban de los 419 mil dolares. Seguido por dos
obras de Claudio Bravo: “The emperor” y “Pale surprises”, ambas estimadas para la venta en uss 1 /1,5 Millones.

En Christie´s, también Rufino Tamayo lidera la grilla con “Maestros cantores", que sale estimada en
u$s 2/3 Millones. Le sigue “Niña con rebozo” de Diego Rivera, estimado en u$s 1/1,5 Millones, luego
“Stated Woman”, de Fernando Botero en u$s 700/800 mil, “Tiger and Trainer” en u$s 600/800 mil y “Le Sabbat “
de Wifredo Lam, en 600/800 mil .

En Phillips, se anuncia como las principales obras de su subasta de Arte Latinoamericano del día 23 de Mayo a
“Black and Green” de Carmen Herrera, “Cuadros y Escritura Blanca” de Jesús Rafael Soto, “Umbra” de Olga de
Amaral, “Niágara II” de Roberto Obregón, “Mensaje” de Matias Goeritz, “Samurai Tree” de Gabriel Orozco y
“Ouro e Pous“ de Cildo Meirelles.

El arte latinoamericano, sin burbujas en la última década, tuvo sin embargo, un sostenido crecimiento, sin
espectacularidad, y con sólo algunos precios récord que no pasan de duplicar el promedio del resto, con marcas
que - en términos generales y siempre que se hagan las adquisiciones con el cuidado que el tema requiere -
prueban que el arte es, cuando menos, un resguardo más que eficaz para los activos.

Fernando Esperon

LOS JUEGOS DE ARTIFICIO DEL MERCADO DEL ARTE

Que el marketing en el arte es hoy en día una parte muy Importante en la composición química del precio
de una obra no es algo nuevo, y los operadores del arte se ocupan de que los precios logrados tengan su
contraparte en el mundo académico, exponiéndolos en museos, instando a los artistas a participar de
premios y  en “movidas” de lo que el crítico Raúl Santana llamó el “epifenómeno” del mundo del arte,
como la moda y la publicidad, donde ganan popularidad , algo que antes era incompatible con el
mundo del arte, pero ahora es su mejor aliada.

Comenzando por el hecho de que un precio o una venta récord se viraliza en el mass y multimedia en
cuestión de horas y siguiendo con la transformación de los museos en lugar de reunión para jóvenes,
presentaciones y lanzamientos de marcas y hasta casamientos, en algunos casos.
El lenguaje de la comunicación del arte cambió incluso antes que todo el resto.

En este panorama, el CEO de un fondo de arte que maneja más de 1300 millones de dólares - Ken Griffin -
compró 2 obras. Una de Jackson Pollock en u$s 200 Millones y otra de Willem de Kooning en u$s 300 Millones,
a días de que se conozca la noticia de que el arte Moderno & Contemporáneo bajó fuertemente sus ventas en
la subastas de Febrero en Londres junto con las acciones de Sotheby´s en New York.

Mas allá de la vieja polémica acerca de cuál es el origen del dinero que hace llegar a la obras de arte a
esos precios, y del bajo porcentaje de obras que es alcanzado, el arte es actualmente un activo indiscutido,
incluso más eficaz como resguardo del capital que muchos otros, y es legítimo que sea defendido con las
herramientas que usan otros rubros, a plena luz del día y sin ser juzgados por eso, más luego de la debacle
del 2008, cuando se repuso incluso con mayor rapidez que el índice Standard & Poors, el mas confiable
índice del mercado internacional formado por las 500 principales empresas de Estados Unidos. 

Fernando Esperon

El año que finalizó, totalmente olvidable para el mercado local, que tuvo como característica
principal la inacción en casi toda su extensión (hubo algunas pocas obras importantes en las
grillas de las subastas a mitad de año y un esbozo más firme de repunte en los últimos dos meses del año).

La mayoría de las obras que pudieron verse en las subastas no superaron los $15.000 y se
vendieron por sus bases, hasta el mes de Noviembre, donde a pesar de todo obras que salieron
entre 100 y 400.000 pesos duplicaron o triplicaron sus bases.

La circular de Afip de febrero de 2015, que puso en vigencia un régimen de información que retrajo
a los compradores y el año electoral que generó  muchas expectativas y también incertidumbre, fueron
dos de los factores por las que el año pasado no fuese de los mejores.

Por supuesto, la venta de arte debe tributar como cualquier otro negocio, pero debe ser estimulado
a través de desgravaciones en las compras, y también en los auspicios institucionales de muestras
y eventos que contrbuyan a la difusión de hechos artísticos, ya que si el mercado prospera, los entes
recaudadores tendrán también beneficios, como ocurre en todos los países donde la desgravación
funciona, como ocurrió por ejemplo la ciudad de Nueva York en los 60´s, que contribuyó escencialmente
al surgimiento de la Escuela abstracta que género y aún genera mucho dinero por diversos conceptos.

El mercado está expectante esperando que algunas medidas se revean para disminuir la gran carga
tributaria que hoy soporta el mercado del arte y libre circulación de obras emergentes, que circulan para
difundir el arte argentino y no afectan al patrimonio atrtistico, si no que beneficia al conjunto de la población.

Fernando Esperon

El marco de una colección da valor a las obras que la integran

Son los coleccionistas quienes protagonizan las dos ventas de Contemporáneos y de Posguerra
y las de Impresionistasy Modernos de Nueva York en Noviembre, en Christie´s desde el 2 al 13
de Noviembre online y el 10 en vivo(donde podran verse los lotes de mayores estimados )
encabezados por “Four Marilyns” una gráfica que sale a la venta con estimado On request
- es decir – sin base, al igual que la escultura “The Spider” (la araña) de Louis Bourgeois,
“Concerto Spaziale,la fine di Dío“ de Lucio Fontana, “Untitled” de Cy Towmbly, “The Brigadier”
de Lucian Freud y “Untitled ” de Christofer Wool.

Los lotes más importantes provienen de las de Arte Pop de Miles y Shirley Fiterman, las de
“arte povera” de la Colección deIleana Sonnabend, y la que dejó como herencia Nina Sundell,
más la colección de Arthur y Anita Kahn, que alberga el mayor grupo de obras de Alexander
Calder jamás reunida.

También con las colecciones privadas como la de Herbert Kayden y Gabrielle Reem, Miles y
Shirley Fiterman o la HarryW. & Mary Margaret Anderson Collection de esculturas europeas
son verdaderos archivos historicos, ya que albergan grandes obras como “Homme Assis“ de
Pablo Picasso, que sale a remate estimado en u$s 6/9 Millones o "Pommes sur une linge” de
Paul Cezànne en u$s 7/10 Millones o “Two recycling”, escultura e metal de Henry Moore,
estimada en u$s 7/10 Millones, además de importantes obras de Claude Monet, Camille Pisarro,
Pablo Picasso, Marc Chagall y Joan Miró.

En la casa Sotheby´s, es la colección de A. Alfred Taubman, la que se subasta  la tarde del 4 de
Noviembre, una selección de obras capitaneadas por “Paulette Jourdain” de Amedeo Modigliani,
con estimado “a requerimiento”, seguida por “Femme assise sur une chaise” de Pablo Picasso,
en u$s 25/35 Millones, “Untitled, de Willem de Kooning, también estimado en  u$s 25/35 Millones
y “Danseuses en blanc”, pastel de Edgar Degas en u$s 18/25 Millones, y en modernos e
Impresionistas la colección de Louis & Evelyn Franck, liderada por la llamada “emperatriz” del
período azul de Picasso, La Gommeuse, que sale sin base y “ a requerimiento” seguida por “Paysage
sous un ciel mouvementé”, de Vincent Van Gogh, estimado  en u$s 50/70 Millones, “Mystic
suprematism”, la última de las grandes pinturas suprematistas de Kazimir Malevich estimada en
u$s 35 / 45 Millones, un espectacular Nymphéas de Claude Monet, estimado en u$s 30 / 50 Millones.

Fernando Esperon

CHINA CRECE Y SE ABRE AL ARTE CONTEMPORANEO DE OCCIDENTE
 

Sotheby´s anuncia que en el primer semestre del 2015, obtuvo ventas significativas de artistas
occidentales en Hong Kong, sobre todo en la última  Subasta llamada “Sin límites: Arte
Contemporáneo” donde vendió casi el 60%  de los lotes de la grilla por encima de sus
estimaciones más altas.

El volumen total de lo vendido es de u$s 5,3 millones y fue sustancialmente mejor de lo
esperado, con  “Sin título, 1983” de Keith Haring cuadruplicó los estimados en una fuerte
puja hasta llegar a los u$s 536 mil.e incluyó trabajos de Chu Teh-Chun, Zao Wou-Ki,
Yayoi Kusama, Yoshitomo Nara, Daido Moriyuama, Takashi Murakami junto a obras de
Lucio Fontana, Vik Muniz, David Lachapelle, Jean-Michel Basquiat, Andy Warhol y otros.

Las  tres obras que encabezan la grilla son  “S/T1983” de Keith Haring en $ 536 mil,
el artista franco-chino, Zao Wou-ki  en u$s 505 mil, y “Retrato de  Sofu Teshigahara” de
Andy Warhol en u$s 366mil.

Según un informe de la consultora Art Market Insight, hay una nueva tendencia de los
compradores chinos a comprar artistas occidentales que aún están lejos de haber llegado
al tope de sus cotizaciones en la región, lo que otorga al comprador una ventaja extra.

Hasta ahora, los chinos compraban casi siempre obras de artistas del sudeste Asiático
y aún rescataban obras que estén en manos de coleccionistas extranjeros, como sucedió
en la ultima temporada con las colecciones de PhillipTang y Kung Hsiang-Hsi.

El cambio de rumbo sucede en Hong Kong, que según  la CEO de Christie´s para el
sudeste Asiático, Rebecca Wei, es donde suceden el 40% de la ventas chinas, aunque
Shanghai se postula a sucederlo rápidamente.

Todo esto ocurre en un contexto de euforia por los resultados de las ventas de primavera
en Christie´s, remates de arte, vino y joyas en China, éste último que mueve el 37,2% del
mercado mundial contra el 32,1% de Estados Unidos.

Fernando Esperon

 A nivel mundial, la inversión en arte se solidificó en 2014

Aunque bien podría decirse que hay una curiosa reiteración de actores
en el escenario de las mega operaciones, también es cierto que si de
compradores se trata, se van incorporando nuevos, y provenientes de
diversos rincones del planeta.

En cuanto a los artistas, los nombres de los que baten los récords se
repiten pero también van ingresando paulatinamente algunos nuevos,
que habitan hasta ese momento en las franjas más modestas.

Todo esto sucede en un momento donde el Euro cae con respecto al
Dólar, el petróleo está en uno de sus niveles históricos más bajos y el
arte se transforma en un refugio más que atractivo para inversores de
todo el mundo.

Como sea, los precios de ocho y nueve cifras, que para algunos no eran
más que producto de una burbuja, se mantienen desde hace casi una
década, pero cierto es que las obras de precios millonarios conforman
un mínimo porcentaje del total de las vendidas.

Lo que sí es casi unánimemente aceptado es el margen de rentabilidad,
que hoy supera al 6,5 % anual en dólares, porcentaje de rentabilidad
que dobla cómodamente al de los bonos de Tesoro norteamericano, y
tal vez por eso son enormes las cifras invertidas en arte para fines privados
o públicos por gobiernos de países poderosos.

Para el resto de los mortales, el arte emergente es la apuesta más segura,
ya que, si la inversión se mide en una década, la cotización de las obras
de pintores o escultores que ingresan al circuito suele experimentar subas
muy interesantes, siempre que se invierta en un artista bien promovido,
que vaya logrando reconocimiento en el medio académico o que simplemente
pegue fuerte en el gusto del público.

Actualmente, ya no se trata de si el arte es una inversión segura, ya que
ésto es globalmente reconocido – más bien se trata de que si en este
mundo convulsionado, plagado de incertidumbre, desigualdad y violencia,
el arte se ha convertido en el único refugio del espíritu que además puede
superar en rentabilidad a muchas opciones, incluso algunas 
de las más conservadoras.

Fernando Esperon

LATINOS EN LEVE ASCENSO

Buenos vientos en las tres Subastas de Arte Latinoamericano,
llevadas a cabo en Nueva York la última semana de Mayo.
Aunque es complejo decir si hubo un crecimiento en las
cotizaciones de los artistas participantes (ya que esto depende
de muchas variables), sí se ve en las cifras totales alcanzadas.

Sotheby´s tuvo un incremento del 6% con respecto a Mayo
del año pasado, con u$s19.8 millones contra u$s18.7 de 2014,
y aún un mayor porcentaje de suba en su competidora Christie´s,
que llegó al 45% de incremento al venderse un total de u$s 25.5
millones, contra los u$s17.6 Millones del año anterior.

En Phillips, la venta totalizó u$s 6,6 Millones este año contra 5,7
del año anterior, lo que arroja un incremento de 16%.

Los nombres de los Top Prices no variaron mucho de los
habituales y en Sotheby´s, "La familia" de Rufino Tamayo lideró la
grilla con u$s3 Millones, secundado por "Les oiseaux voilès" de
Wifredo Lam, que se fue en u$s1.2 Millones". La obra “Estructura
constructiva con signos en blanco" de Joaquín Torres García en
u$s970 mil y "Salón de Mai" de Jesús Rafael Soto en u$s880 mil.
Las obras de artistas argentinos de mayor precio allí fueron 
"Veleros al sol" de Benito Quinquela Martin, que logró u$s162,5 mil,
seguida de "Serie 31 Nº 2" de Julio Le Parc, en u$s87.6 mil
y "S/T" también de Quinquela Martin, en u$s60 mil, más "Serie roja"
de Mondongo en u$s 27.500 y "Reflejos"de Eduardo Mac Entyre
en u$s18.750

En Christie´s "Vampiros vegetarianos", la obra de Remedios Varo,
encabezó los estimados y también lo hizo en los precios finales
cuando marcó u$s3.3 Millones, escoltada como se preveía por
"Red paper" del chileno Claudio Bravo enu$s1,4 Millones y 
"Lavanderas con zopilotes" de Diego Rivera, en u$s1 Millón.
Entre los argentinos, "L'oiseau bleu (vol en pique)" de Emilio
Petorutti, se vendió en u$s161.000, "Grupo de 21 maquetas" de
Martha Boto y Gregorio Vardánega en u$s102,5 mil y "Con ideas
en la cabeza" de Antonio Seguí, que trepó a los u$s87 mil.

En Phillips, "Présages" de Wifredo Lam hizo bajar el martillo
en u$s 2.6 Millones, secundada por "Objeto gráfico" de
Mira Schendel en u$s485 mil, y "Bat -Men", la obra de Leonora
Carrington vendida en u$s345 mil.
Los artistas argentinos, con "S/T" de Guillermo Kuitca al frente
con u$s185 mil," seguido por “Vibration couleur" de Antonio Asís
en u$s35 mil, y "Círculos centrales" de Rogelio
Pollesello en u$s12.5 mil.

Fernando Esperon

 LOS MAS PREMIADOS, SON LOS MAS COTIZADOS?

Un estudio publicado hace poco por la consultora
del portal Artnet, titulado “Top 100 Living Artists (2011-2015)"
nos aporta diversas consideraciones. (* ver debajo de la nota
el top 100 de artistas). 
Según el director del Instituto Valenciano de Arte
Moderno (IVAM), José Miguel García Cortés, “La estrategia
de los museos en sus adquisiciones no es la misma que
la del mercado del arte”. Para el director del instituto, alcanzar
grandes cotizaciones tiene que ver más con la posición
de un artista en el mercado que con su perdurabilidad
en la historia del arte.”

Éste comentario, sin embargo, no resulta novedoso para
quienes hemos visto a lo largo del tiempo, ascender en precio
a obras de artistas que no tenían la aprobación o al menos
la consideración de los críticos y académicos del momento.

Los cinco artistas más caros de la última década no tienen
al menos la aprobación unánime o mayoritaria de la crítica
de arte ni de las instituciones museísticas más prestigiosas.
Éstas se fijan para sus compras y para incluir en sus
calendarios de muestras en los que aportan conceptos nuevos,
sea en el discurso o la técnica, independientemente de su
impacto en el gusto de los compradores.

Sin embargo, las modas que se filtran por las nuevas
costumbres imperantes también van cambiando esta forma
de evaluación, en la medida que el arte ya no es una disciplina
considerada por encima de otras expresiones culturales
populares, en una época donde los veredictos del público
influyen cada vez más.

Ésto también les ocurre a quienes planifican los calendarios
en museos de arte contemporáneo, porque finalmente,
el público de la tv y el de los museos, hoy es el mismo.

Un caso muy evidente de la popularización y la relación
del arte con el mass y multimedia es Jeff Koons, el artista
norteamericano que en 2014 vendió por u$s 130 Millones.
"Hace unos 'juguetes' carísimos. Gustan quizá porque
vivimos en una sociedad muy infantilizada. Es un arte fácil
que queda muy bien en bancos, hoteles... Fue crucial
que fuese el primer artista en contratar a un relaciones
públicas, quien le ayudó a que uno de los coleccionistas
de más fama internacional, la Colección Pinaud, le comprase
obra. Aquello le dio visibilidad en los medios de comunicación",
opina la periodista especializada Ángela Sanz Coca, en
la nota publicada en el Blog español “20 minutos” quién
cree además que todo el merchandising que ha creado
Koons ha contribuido a su popularización.

* Informe de Artnet sobre Top 100 Living Artists

 Fernando Esperon

“A NIVEL MUNDIAL, LA INVERSIÓN EN ARTE SE SOLIDIFICA”

El mes de Febrero creó una explosión en Londres donde se vieron 

récords en el mes más brillante para el mercado del arte en mucho tiempo.

Los dos gigantes de la subasta, que siempre lograron sus mayores

marcas en las salas neoyorkinas, acaban de ser testigos de una seguidilla de

récords que reactualizaron los meteóricos precios de otros años.

Los Modernos e Impresionistas, vendieron en Sotheby’s por valor de u$s 280

Millones, los Surrealistas por u$s 25 Millones, y los Contemporáneos u$s 225

Millones. Mientras que en Christie´s, las cifras de Contemporáneos llegaron a

u$s 202 Millones, los Modernos e Impresionistas a u$s 157 Millones

y las ventas de los surrealistas superaron por un sorprendente amplio margen

(tres veces) a su competidor, al llegar a u$s 102 Millones.

Ésto indica, además de que el Surrealismo está siendo puesto “en

carrera” por las subastadoras, Londres se acerca, (y en algunos casos supera)

las cifras neoyorkinas. Si bien podría decirse que hay una curiosa reiteración

de actoresen este singular escenario, es también cierto que si de compradores

se trata, se van incorporando nuevos participantes, que provienen de diversos

rincones del planeta.

En cuanto los artistas, los nombres que baten los récords se repiten y van

subiendo paulatinamente algunos nuevos, que habitan por el momento las

franjas más modestas.

Todo esto sucede en un momento donde el Euro cae con respecto al dólar, el

petróleo está en uno de sus niveles históricos más bajos y el arte se transforma

en un refugio más que atractivo para inversores de todo el mundo.

Como sea, los precios de ocho cifras, que para algunos no eran más

que producto de una burbuja, se mantienen ya casi a lo largo de más

de una década, y las inversiones en arte de países productores de petróleo

para fines privados y públicos son enormes.

Ya no se trata de si el arte es una inversión segura, puesto que esto ya es

reconocido - se trata de que si en este convulsionado mundo, plagado de

incertidumbre, desigualdad y violencia, el arte se ha convertido en el único

refugio que supera – aun en rentabilidad - a bonos, monedas y commodities

en muchas de sus formas y de si crecerá  - al menos en los países donde la

actividad sea estimulada y no perseguida o agobiada – hasta límites que hoy

se nos ocurren impensados.

Fernando Esperon

Por estos días, las 25 ferias que revolucionaron la ciudad de Miami, fueron una
instantánea del panorama del arte actual.

Desde la sofisticada Art Basel, hasta ferias distritales de la franja “Affordable” (accesible),
del artista al comprador, se abrió hasta el infinito la idea de cuales son las propiedades
que deben incluir las pinturas, esculturas u objetos para estar dentro de lo que
se considera es arte.

Por supuesto, la enorme cantidad de piezas en los soportes mas difíciles
de imaginar pueblan stands y escaparates, con precios que van desde los cientos
hasta los millones de dólares. Esta situación refleja lo que está ocurriendo en todo
el planeta con el arte contemporáneo, y la gran incógnita es qué de todo va a quedar y
qué tan cerca estará el arte de la gente y de su realidad siendo que, transcurridas algunas
décadas, el arte cambia, pero porque el mundo cambia.

La diferencia está en que, dada la gran influencia que tienen los impactos visuales
y auditivos en los seres humanos, en arte lo que abunda sí puede dañar, pero también
ser un valiosísimo aporte a su salud integral.

Fernando Esperon

“UNA MUÑECA DE UN MILLÓN DE DÓLARES”
 

Sin lugar a dudas, la estrella de la subasta de Arte contemporáneo

y Posguerra en Christies del 16 y 17 de Octubre pasado, fue 

el retrato de “Barbie, retrato de Billy Boy“ que de un

estimado promedio de u$s 450.000, duplicó largamente la cifra

cuando se vendió en u$s1.150.000, en un contexto donde la

mayor cantidad de obras ofrecidas se vendieron no lejos de sus

bases.

Esto no es nuevo, desde los años 60, el fenómeno que en gran

medida se inició con Warhol y los retratos de estrellas como Liz

Taylor, Marilyn Monroe y Elvis Presley, políticos como Mao Tsé

Tung y hasta una marca comercial  como la etiqueta de la lata

de sopas Campbell, se reprodujeron a manos de Warhol y

su obra gráfica,  imprimiéndole un tono irónico a sus

creaciones.

En el caso de las superestrella de las muñecas, cuenta la

casa rematadora que todo comenzó cuando Warhol, le contó

a su amigo, el famoso decorador Billie Boy, su intención de

retratarlo y él le contesto :“ Si quieres pintarme, pinta a Barbie,

porque Barbie “c ést moi”.

A Warhol le vino como anillo al dedo el pedido, ya que

la autentica raíz conceptual del Pop era burlarse de una

sociedad que por entonces escondía detrás de la libertad

consumista, mucha frivolidad y un pensamiento rígido y

superficial.

Realizado con un cánon muy distinto a los habituales de la

producción, esta Barbie redondeó, al decir del mismo Billy

Boy,”el mensaje más contundente de Andy : un objeto fabricado

en serie con un rostro humano, pero glamoroso y que no

pretende ser lo que no es”.

En la eterna polaridad que plantea el mercado del arte, suele

ocurrir que una obra creada con intención de denunciar las

debilidades del sistema termina siendo absorbida por el mismo

establishment al que pretende “desenmascarar”.

Fernando Esperon

“ORIGEN Y FUTURO”

Es poco frecuente que uno conozca el origen de prácticas que

son habituales como por ejemplo, la de vender en subastas.

Sepan que ésta es la forma más antigua de comercio de

obras de arte, y que comenzó en la antigua Roma.

Según cuenta Nicola Mariani en el blog, “El sueño de Polífilo”, las

subastas eran muy populares entre los romanos y se celebraban

en la Vía Sacra y bajo los pórticos del “Saepta Julia”, en el Foro.

El término “subasta” deriva del latín y se refiere a la costumbre de

clavar una lanza (“hasta”) en el suelo ahí donde se celebraba la

venta, lo que garantizaba que el comercio se desarrollara bajo la

Garantía de la autoridad pública (“sub hasta”).

La expansión del Imperio Romano a Grecia en el siglo I, produjo

una gran expansión, y sentó las bases de lo que hoy es el mercado

del arte, con algunas variantes dadas por el lugar y las circunstancias.

En nuestro medio, los períodos de inflación o de disminución de

la actividad económica, suele ser también un momento propicio 

para invertir en la franja de los emergentes que tengan presencia

en el circuito, es decir, expongan en galerías, ferias o museos, o 

bien participen en subastas y logren marcas que se sostengan

en el tiempo.

Fernando Esperon  

LAS "OTRAS" SUBASTADORAS

Por lo general, el pulso del mercado del arte a escala global se mide, en los medios de prensa, con la
vara de los precios que se obtienen en las dos grandes subastadoras.

Sin embargo, no son los únicos, y algunos de sus competidores ocupan cada vez más espacios.
Operando desde sus principales salas de ventas en Londres, Nueva York, San Francisco, Hong Kong
y Los Ángeles, la casa Bonhams lleva a cabo alrededor de 400 ventas anuales a través de sus
sesenta departamentos especializados.

En 2009 Bonhams anunció que había tomado el liderazgo en diez áreas clave en el Reino Unido por
primera vez, incluyendo antigüedades, armas y armadura, relojes, automóviles de turismo, cerámica
europeay arte japonés,y ya comienza a alcanzar récords absolutos en pintura.

Artcurial, en Francia, en su origen era una librería-galería especializada en ediciones de arte,
hasta que en 2001 se convirtió en una casa de subastas. Algunos de los nombres más conocidos
delas ventas de arte en Francia decidieron unir sus fuerzas para hacer frente a la “invasión”
anglosajona, que acababa de desembarcar en Francia bajo los prestigiosos nombres de Christie’s
y Sotheby’s y de paso poner al alcance de la mano de un amplio público el tema de las subastas
desde el Hotel Dassault.

Desde la subastadora gala, aseguran que las obras están al alcance de cualquiera, ya que las
ventas más sencillas comienzan a partir de 80 euros. Pero la subastadora más reconocida en
esta parte del globo, por los récords conseguidos para artistas latinoamericanos, especialmente
brasileros, es Phillips de Pury, fundada en Londres en 1796 por Harry Phillips, ex jefe
administrativo de James Christie.

Durante su primer año de actividad, Phillips realizó doce subastas exitosas y pronto el
negocio estaba sosteniendo las ventas de algunos de los más destacados coleccionistas de la
época como María Antonieta, Beau Brummel y Napoleón Bonaparte.

Para ganar negocios, Phillips combinó visión comercial con creatividad. Después de fusiones
y ramificaciones que transformaron el nombre de Phillips & Son al de Phillips De Pury, hubo
un tiempo en que perteneció a Bernard Arnault, dueño de Louis Vuitton, hasta que en octubre
de 2008 Mercury Group, entró como socio mayoritario permitiendo una mayor expansión de la
compañía, y con ella la apertura de su emblemática sede en 450 Park Avenue, en Nueva York.

En enero de 2013, la compañía comenzó otro nuevo capítulo, volviendo a llamarse Phillips,
después de que Simon de Pury partió como presidente y Mercury Group asumió la propiedad
total de la compañía.

Fernando Esperon 

De Altmira a Wall Street

Entendida a la distancia más como rito mágico y religioso, la pintura rupestre nos hace pensar, si usamos la imaginación, que los artistas que dibujaban mejor
las escenas de caza, atraían con mas fuerza el favor de los espíritus, y por consiguiente, una caza mas abundante.

¿Eran entonces los cazadores más hábiles y por tanto más poderosos los que daban a los artistas rupestres el alimento y pieles a cambio de que pinten sin tener que asumir la dura lucha por la subsistencia,?

Ese y no otro podría ser el origen del mecenazgo como idea, y la intensidad de la demanda y la diferencia en la calidad de la carne y las pieles ofrecidas según el talento del artista podría ser, ni más ni menos, el del mercado del arte.

Aunque los datos de la realidad ubiquen primero en el Renacimiento y al del segundo en la Baja Edad Media, cuando las transacciones comerciales con las obras de arte llegaron a convertirse en un hecho muy lucrativo, sobre todo para tablas, tapices, pequeñas esculturas, que fueron los
soportes más exitosos junto a  la pintura al óleo sobre lienzo y el grabado, fácil de trasladar incluso a grandes distancias.

Pero el aumento del prestigio social del artista no llegó sino hasta el Renacimiento Italiano, cuando los más afamados de entre ellos fueron tratados por el poder al mismo nivel que los poetas o filósofos, y designados cortesanos, codeándose con príncipes y papas.

Los “pintores de las cortes” llegaron a gozar de la confianza de los reyes, que les encomendaban actividades diplomáticas además de -lógicamente- convertirlos en sus agentes de compra de objetos de arte durante estos viajes, o recibiendo títulos nobiliarios como Van Eyck, Rubens, Velázquez y otros.

El resto lo hizo el crecimiento del sistema bancario empezando por el mayor banquero Florentino, Juan Bicci de Médici, el primer “mecenas” o  patrocinador financiero de arte de la familia, que ayudó a Masaccio y ordenó la reconstrucción de la Basílica de San Lorenzo de Florencia, seguido por Cosme de Medici, que patrocinó a notables artistas como Donatello y Fra Angelico.

Pero la principal “adquisición” de los Medici a través de la historia fue Miguel Ángel, un arquitecto, escultor y pintor de los más grandes de la época en las tres disciplinas quien produjo una serie de obras para distintos miembros de la familia, comenzando con Lorenzo el Magnífico.

El mercado iba creciendo conforme pasaron los años y los siglos, de la mano de otros banqueros europeos primero, como los Rotschild en Europa, y ya en el siglo veinte en Estados Unidos, donde los mecenas se transformaron además de financistas, en promotores de determinados estilos y tendencias, como los Morgan, Gughenheim, Withney, Rockefeller y otros, que llevaron a precios siderales para entonces a la llamada “Escuela Abstracta de Nueva York“ en los 60.

Pero fue en los 80´s, cuando el mercado de capitales se adueñó de la franja de precios más alta con los Cohen, Geffen, Gagossian y otros pocos a la cabeza.

Para Georgina Adam de “The Art Newspaper” suplemento del diario británico Financial Times “No deja de ser un pequeño grupo de megamillonarios que persiguen a un pequeño grupo de artistas".

Fernando Esperon

En las subastas desarrolladas en la última semana de Mayo de este año en la ciudad
neoyorquina (en Sotheby´s, Christie´s y Phillips de Pury) sumaron ventas por 42 millones
de dólares, incluidos la comisión e impuestos.

Un retrato de familia pintado por el artista colombiano Fernando Botero, obras del uruguayo
Joaquín Torres García y esculturas de la brasileña Lygia Clark, fueron los trabajos
más destacados.

El lote principal de Christie's fue la obra de Torres García "Composición TSF" de 1931,
comprada en 1,6 millones de dólares por un coleccionista sudamericano. En Sotheby's,
la escultura de 1960 de Clark "Bicho-Em-Si-Mid (No. IV)logró 1,2 millones de dólares.

No hay que olvidar que las 10 obras de mayor precio significaron más de una cuarta parte
del valor total de las ventas, siendo que en el segmento más bajo las ventas también
son muchas, pero naturalmente suman mucho menos.

Concentrándonos en ese segmento de menor precio, podemos decir que no es necesario
invertir cifras descabelladas para adquirir obras de artistas consagrados como un retrato de
Oswaldo Guayasamin que se vendió en u$s 10.000, una “Atmosphère Cromoplastique” de
Luis Tomasello en u$s 18.750 o “Caminantes” de Rufino Tamayo y “S/T de Matta, ambas telas
de mediano formato en u$s 23.570.

Por supuesto, no se trata de obras iconográficas o con mucha historia, pero la diferencia en los
precios entre una y otra, siendo del mismo artista puede ser muy grande, aun cuando sean iguales
en soporte, época y tamaño.

Sin embargo, las tendencias cambian y los conceptos y precios varían rápidamente, por la vertiginosa
velocidad de la comunicación.
 
El segmento de menor precio de los latinoamericanos es - contando con buen asesoramiento -, una
alternativa de inversión para estudiar si no se tienen expectativas desproporcionadas, y con el plus que
sólo la inversión en arte tiene: el del placer estético, el llamado del espíritu que es el primer impulso para
adquirir un bien que excede el cálculo de renta que se aplica a otras opciones.

Fernando Esperon

 NO SOLO DE ARTE VIVEN LOS MUSEOS

Los museos, en otra época distantes del público, se han abierto
a prácticas novedosas de management.

En un mundo donde las necesidades básicas no están cubiertas para
muchos, los presupuestos estatales de los museos son recortados en
los momentos de crisis o incertidumbre para ser aplicados – en el
mejor de los casos, a necesidades más urgentes.

Ante este panorama, el ingenio de los directivos debe crecer
y opciones creativas deberán ser prácticas habituales.

En el MOLLA - Museo de Arte Moderno de Los Ángeles - California,
hay dos Direcciones Generales; una artística, que dirige la agenda de muestras
y el perfil artístico, y otra de gestión comercial, que se encarga de la obtención
de fondos, membresías, auspicios, merchandising, etc.

Aunque en la mayoría de los museos de todo el mundo es primordial
la función del Estado, que siempre termina siendo el principal sustentador
de la actividad es más que interesante desarrollar la función de las
empresas como auspiciantes o el patrocinio de personas físicas.

El dinero que se recauda en concepto de entradas ayuda pero no basta
y además faltan en nuestro país atractivos impositivos como algunas
exenciones especiales que alienten el sponsoring.

Auspiciar con dinero no está permitido por el reglamento de los museos,
Si realizar canjes con los que se cubren necesidades vitales como piezas
gráficas, pasajes, alojamientos para artistas, o aún de infraestructura como
computadoras u otros elementos que se intercambian por una asociación
de imagen entre el museo y el auspiciante.

También, grandes museos del mundo alquilan sus salas para lanzamientos
de empresas, productos o perfomances donde el arte se asocia
con grandesmarcas de la cosmética o la moda utilizando espacios
para maquilladores o diseñadores, sin que esto altere el guión o la
programación artística de un Museo.

Los directores de Museos prefieren claro está, opciones más creativas:
y actualmente hay muchas: por citar un ejemplo, cuando el gobierno
Griego suprimió el presupuesto del Museo de la Acrópolis de Atenas,
éste se sostuvo con los ingresos que proporcionaba su restaurant y,
en México,  el Museo de Arte Popular se alquila para bodas y otros
eventos.

Como sea, los museos en todo el mundo tienen otro significado para la gente,
que los disfruta y vive con entusiasmo y las fuentes de ingresos mas variadas,
lo que asegura un funcionamiento mas fluído.

Fernando Esperon

Lo ocurrido en la Subasta de Arte Latinoamericano en Sotheby´s - que totalizó
u$s 21.261125 -  reafirmó una tendencia que se replicó en los otras dos subastadoras,
y que se viene notando también en las operaciones privadas que se conocen en los últimos
tiempos: el ascenso del arte brasilero.

Contra lo que indicaban los precios estimados que ponían al tope a “Los jugadores de cartas”
de Fernando botero y “Los emigrantes“ de Antonio Berni ,el primero con una estimación de
entre un1 millón / 1.500 mil dólares y el segundo entre 800 y 1.200 mil dólares- y que no
encontraron oferentes - el récord absoluto de las tres subastas otoñales neoyorkinas, fue para
“Relief 2152“ de Sergio Camargo que con una de base de u$s 500.000/ 700.000 que cuadruplicó
la postura cuando se fue en u$s 2.165.000.

Y una segunda marca muy  importante para la obra “Relief 289“ también de Camargo, otra de
las cuatro en superar el millón de dólares que hizo bajar el martillo cuando la postura llegó
a u$s1.350.000.

En Christie´s, que vendió la similar cifra de u$s 18.240.375, liderado por "Mujeres llegando
a la luna", del mexicano Rufino Tamayo, por el estimado de máxima en u$s 1.445.000
(con una expectativa de u$S 1,2 millón), y "O casamento", de la brasileña Beatriz Milhazes en
u$s 1.025.000, un 30% por sobre el estimado inicial. y en la grilla de marcas de seis cifras,
“Secuencia visual”, de Abraham Palatnik, u$s 785.000, y "Relief n 285", del brasileño Sergio
Camargo, en u$s 749.000.

Performance  que se completó con los resultados de Philips de Pury, donde la obra
“Bicho invetebrado“ de Lygia Clark, obtuvo u$s 1.865.000.“Relief 347“ de Sergio Camargo
u$s 785.000.“Superficie modulada” nuevamente de Lygia Clark, en u$s 461.000. y “Homenagem
a Fontana“ de Nelson Leiner, en u$s 359.000.

Una nota carioca para un otoño que tuvo - exceptuando por el tsunami carioca - resultados
preanunciados.

Fernando Esperon

Christie´s anuncia para el 19/20 de noviembre, más de 240 lotes en la subasta de arte
Latinoamericano que encabeza una rara obra del pintor oaxaqueño Rufino Tamayo,
“Mujeres llegando a la luna, un trabajo de la década del 40, que proviene de la
Cleveland Museum of Art.

Emilio Petorutti, Alejandro Xul Solar, Sarah Grilo, Florencio Molina Campos,
Rómulo Macció, Luis Tomasello, Eduardo Mac Entyre, Rogelio Pollesello, Antonio Seguí,
Guillermo Kuitca, Luis Benedit y Nicolás Garcia Uriburu son los argentinos que integran
la lista de nuestros compatriotas.

Brasil, es representado por Emiliano Di Cavalcanti, Alfredo Volpi, Sergio Camargo,
Abraham Palatnik y Beatriz Milhazes.
Se destacan también obras de los mexicanos, Rodolfo Nieto, Ricardo Martínez y Juan Soriano,
el cubano Wilfredo Lam,el chileno Matta, el uruguayo Joaquín Torres García, el venezolano
Jesús Rafael Soto, el colombiano Fernando Botero y el guatemalteco Armando Morales.

En Sotheby´s, el récord de base es para “Jugadores de Cartas, de Fernando Botero,
que tiene un estimado de u$s 1.500.0000 / 2.000.0000, aunque los ojos argentinos tienen su
foco de atención en la obra de Antonio Berni, ”Los emigrantes” de 300 x 190 cm, (que fuera
titulado por Charlie Chaplin,que además lo escribió en el bastidor de su puño y letra) y que
sale con la base inédita de u$s 800.000 /1.200.000.

Completan el podio de los récords “Nuestra señora de Nueva York” también de Botero, y con
idéntico estimado, “Morfologie psychologique (Fleureur), del chileno Roberto Matta.

Le siguen, ya en franja menor a millón de dólares, “Relief No 289” del brasileño Sergio
Camargo en u$s 700/900 mil, Claudio Bravo con “Khabyas” y Rufino Tamayo con
“Aviones de paso”, los dos últimos en u$s 600/800 mil.

Emilio Petorutti, Alejandro Xul Solar, Sarah Grilo, Florencio Molina Campos, Antonio Seguí,
Rómulo Macció, Luis Tomasello, Eduardo Mac Entyre y Rogelio Pollesello y Guillermo
Kuitca completan el envío de los artistas Argentinos.

El precio de los latinoamericanos se afianza con subas o permanencia de precios, lo que
dá un tono de seriedad y confiabilidad que no siempre está en los fabulosos récords de la obra
de artistas de otras latitudes, ciertamente sujetos a otras variables, provenientes más del
área financiera que del mercado del arte.

Fernando Esperon

Se subastó la pintura más cara de la historia: el gran artista Francis Bacon, con su tríptico "Three Studies of Lucian Freud" fue vendido por 142,4 millones de dólares en Christie's, Nueva York en el día de ayer, 12 de Noviembre.

En esta misma subasta de arte contemporáneo y de posguerra, tienen otro motivo para el festejo: Una escultura de acero inoxidable del artista Jeff Koons ha sido vendida a otro postor telefónico por 58,4 millones de dólares, convirtiéndose en la obra más cara de un artista vivo vendida en una subasta.

Con el record alcanzado por la obra de Bacon, ha quedado en segundo lugar la gran obra de Edward Munch, "El grito", que logró una puja por 119,9 millones de dólares en la casa de subastas de Sotheby´s en el año 2012.

RENTABILIDAD DEN EL ARTE: INTERROGANTES Y CONCLUSIONES

La rentabilidad del arte y su realidad como activo financiero siempre
es tema para seguir, aunque más no sea con espíritu de curiosidad.

En esta materia, un informe que es en realidad una tesis universitaria
preparada por Elena De la Poza Plaza, una docente de la Universidad de
Valencia, arroja datos muy útiles desde un riguroso estudio de las
inversiones en arte en el período 1997/2006. El documento muestra
porcentuales y tendencias que, de hecho, se mantienen en hoy en día,
aún a pesar del shock recesivo del 2009.

Un inversor clásico (como define el estudio a un inversor conservador,
que sacrifica rentabilidad en aras de la seguridad),  podrá obtener mayor
rentabilidad en carteras en la que el porcentaje de participación de obras
de arte se incremente.

Es decir, si el inversor estuviera dispuesto a asumir un riesgo del 10%,
obtendrá una rentabilidad del 33,2% invirtiendo en una cartera compuesta
el 43,11% por acciones y el 56,89% en obras de arte.

La cuantificación del Ratio de Sharpe confirma los resultados obtenidos,
es decir, la cartera que alcanza una mejor performance para el inversor
clásico es aquella en la que la proporción rentabilidad / riesgo es del
10,97% - 1% respectivamente.

El tema a partir de estos datos, es que, al igual que en otro tipo de
inversiones,  depende de los artistas en los que uno invierta, y, como
en todas las áreas  es donde comienza la tarea de un profesional que
asesore con honestidad y – por qué no - sentido común.

Distinto es lo que ocurre en el firmamento de las grandes cifras y los
grandes maestros, donde los inversores están atentos al movimiento en
cada subasta, y en la coyuntura obtienen excelentes ganancias.

La medición de renta en el caso de este estudio está hecho sobre la
base del índice Dow Jones, y en base a una cartera integrada por
Modigiliani, Richter, Warhol, Picasso y Basquiat.

En el plano de las inversiones menos sofisticadas y de menores
cifras, la suba de los emergentes con presencia en muestras, museos
y subastas, será sin duda la de mayor renta con respecto a los de los
consagrados, siempre y cuando éstos emergentes estén bien
promocionados y sostenidos comercialmente, lo que ocurre por la
misma y sencilla razón que hace que sea más fácil caer de la cima de la
montaña que de la ladera, o traduciéndolo en términos de mercado del
arte, de 100 a 1000 se va más rápido que de 10.000 a 100.000.

Todo esto, en un plazo no menor a cinco años, que es el período de
tiempo mas razonable para medir una inversión que - como siempre decimos -
no es justo comparar con otras del menú financiero, ya que ninguna de las
otras se disfrutará ni elevará el espíritu como ésta.

Fernando Esperon

EL MECENAZGO, UNA HISTORIA DE POLARIDAD

El sponsoring o auspicio del arte no es algo nuevo, como casi todos los fenómenos que se mueven alrededor de un hecho artístico.

Desde Cayo Cilnio Mecenas, quién da origen al término mecenazgo, ha quedado ligado a la historia como el apoyo y la protección brindados a jóvenes poetas como por ejemplo Horacio o Virgilio.

Los Médicis, una poderosa e influyente familia de Florencia, ayudaron al despegue del Renacimiento cuando invirtieron cuantosas cifras en los artistas más grandes de la época, pero indujeron a algunos de ellos a firmar sus obras, lo que hasta el momento no era de práctica usual. Así, alteraron el rumbo de la historia e introdujeron un factor que modificaría toda la relación del ser humano con el arte : la valoración de la obra por la firma que lleva.

Hasta entonces, las obras no se firmaban porque, en Asia Menor y el Lejano Oriente, se consideraba que la obra creadora correspondía al creador de todo y todas las cosas, lo que convertía a los humanos con talento de dibujar, esculpir o tallar, en artesanos que cumplían la función de canalizar la magnificencia creadora de Dios.

Para ellos, la originalidad, es la correcta asimilación de los principios que vienen de la unidad y su adaptación al lenguaje de los tiempos que corren. 

Esta idea del arte, natural y expandida por los árabes a Europa y originaria de la India, fue reemplazada por el sentido más práctico y material de la obra, la que se identificaba más por el artista al que pertenecía que a la contemplación y su valor económico.

Iniciando lo que hoy conocemos como mercado de arte, dicha transformación cambia el concepto de la obra y acompaña un proceso que duraría siglos hasta llegar a nuestros días.

Tal vez Mecenas nunca imaginó que su iniciativa de promover y proteger a poetas y escritores del momento llegaría a transformarse en el medio por el que empresas, gobiernos y todo tipo de organizaciones, asociarían sus ideologías, productos y servicios con algo que en su origen, el ser humano hacía para tomar contacto con lo superior.

Un final triste para el arte? ..no lo creo , ya que el mismo mercado que pareció cambiar las reglas es quien capta ,como en el caso de muchos artistas abstractos, fractales, formas y lenguaje de colores que siguen elevando el espíritu, actuando como máquinas ocultas que envían mensajes desde el inconsciente, al que afortunadamente la parte más salvaje del hombre no puede manipular.

Fernando Esperon

LA REVOLUCIÓN ONLINE EN EL MERCADO DEL ARTE

En la última década, la actividad incorporó la modalidad

online para sus transacciones, de hecho, la de mayor crecimiento

y sin duda alguna, la mayor dinamizadora de ventas para el arte

a nivel global de toda la historia.

Las maneras son variadas, aunque a primera vista , la compra

directa a través del ordenador no parecería mover cifras o

porcentajes significativos en comparación a otras modalidades.

Sí lo que resultó modificado es el hecho de que gracias a internet,

la capacidad ilimitada de almacenamiento de imágenes y

el mejoramiento constante de las cámaras de los teléfonos

celulares, cambió la forma de vender obras de arte.

Una foto, tomada y enviada en el acto para alguien que conoce

la obra del artista, puede significar una venta cerrada al instante,

la visualización de una obra enviada a un interesado, en comprar

obra para decorar una casa, significa compartirlo con su familia y

que haya un acuerdo también inmediato.

Lo mismo ocurre con arquitectos y decoradores, de hogares

y empresas, como en las formas online de comercialización

(subastas, galerías virtuales de venta y comunicación).

Toda la operatoria, al igual que en los servicios se sintetizó y

comprimió en esa realidad paralela que es la web, donde se

cierran acuerdos, se transfieren dineros y se sigue la evolución de

los artistas además de buscar en qué estado de sus carreras, logros

y evolución de precios se encuentran. La información de todo

el mundo nos llega a una velocidad que Imprime un ritmo de

operaciones vertiginoso.

No debemos perder de vista, por otra parte, que la reticencia a

comprar online obras de arte en Argentina no es solamente

en este rubro. El público compra por Internet  menos que en los

países centrales. En todo caso, la necesidad de ver la obra

en directo es más que comprensible, aunque con el tiempo las

modalidades, como siempre, nos sorprendan.

Fernando Esperon 

 UN MERCADO BRASILEÑO QUE CRECE Y UNA ESTRATEGIA A IMITAR

Acompañando el poderoso impulso de crecimiento de la sexta economía del mundo, el mercado
de arte Brasileño crece a niveles sorprendentes.

Y esto no se trata sólo del lógico fenómeno de desarrollo de un mercado privado en un país que
crece, sino del esfuerzo mancomunado de varios sectores.

Mientras los galeristas independientes de la Asociación Brasileña de Arte Contemporáneo y
organismos Gubernamentalescomo la agencia oficial de promoción de Exportaciones- Apex- apoya
la actividad de las galerías y promociona artistas en el plano internacional para asistir a ferias y
ampliar su base de clientes, Apex invirtió en estos ítems en el período 2011-2013 un presupuesto
que supera el medio millón de dólares.

Según un reciente informe conjunto, los negocios de las galerías de arte brasileñas crecieron un
44%en los últimos dos años, mientras en 2011 las exportaciones de arte alcanzaron un récord
de 60 millones de dólares.

El mejor desempeño anterior había sido en 2009, con 38,5 millones, según datos publicados
recientemente por la agencia noticiosa APF.

El epicentro de este movimiento es – lógicamente -, la cosmopolita Sao Paulo que atrae gente de
negocios de todo el mundo y así pudo verse en la última edición de la feria SP/Arte en ésa ciudad a
mediados de Mayo, que tuvo una cifra récord de participación de más de 100 galerías, 27 de
ellas extranjeras.

Desde septiembre, además, el  centro industrial y financiero de Brasil será sede de la 30 ª edición
de su ya consagrada Bienal que presentará a más de un centenar de artistas de todo el mundo.

El otro aspecto importante de este boom se dio en las recientes subastas de Arte Latinoamericano
en Nueva York donde los artistas brasileños, como Cándido Portinari a la cabeza seguido por Sergio
Camargo, Lygia Clark y Emiliano Di Cavalcanti , lograron records de siete cifras, dando un gran
impulso y llamando la atención de inversores, antes concentrados en artistas mexicanos,
venezolanos y cubanos.

En el siguiente círculo de precios de obras de artistas contemporáneos hay artistas que venden
a precios muy altos, como Beatriz Milhazes o Adriana Varejão, cuyas obras pueden llegar a cotizar
entre 500.000 y el millón de dólares.

Pero el boom del arte no es exclusivo de esos segmentos. Muchos jóvenes brasileros coleccionan
obras desde 500 dólares que serán, cuando menos algunos, artistas de circuito, lo que asegura la
rentabilidad de la inversión en el mediano plazo y aún, mas importante que eso, que se está formando
una generación de coleccionistas que ve más la necesidad de tener un contacto personal con el arte
que de especular financieramente ,lo que agrega - sin duda- el valor de retorno más alto que el arte
puede sumar: el placer y el alimento del espíritu.

Fernando Esperon

 EL MEJOR NEGOCIO EN ARTE ES EL DESARROLLO DEL ESPÍRITU

En los tiempos que vivimos, el mercado del arte pasó de ser un

fantasma que amenazaba a los artistas por la voracidad con que

manipulaban los precios, a ser un aliado en la fijación de sus precios

a través de las subastas, ferias y operaciones privadas.

También para los compradores, se estabiliza como forma de preservar

el patrimonio en moneda  dando una seguridad que otras alternativas

no ofrecen.

Mas aún el dinero cash, que debido a la emisión ilimitada se depreda

con velocidad en todo el mundo, por haber producido una liquidez

exagerada, con la consecuente disminución de su valor numérico.

El arte junto con otros pocos bienes, ofrece buen resguardo, y tiene

un agregado que lo hace único: ningún otro bien da placer y alimenta

el espíritu al tiempo que sostiene su valor.

En estos días, un iconográfico pintor contemporáneo  de impecable

carrera, Gerard Richter, llamó  "obscena" a la cotización que una de sus

obras del período figurativo acaba de cotizar Sotheby’s, en la

exorbitante suma de U$S 37.000.000.

Pocos artistas contemporáneos tuvieron una carrera tan incuestionable

reconocida, tanto en sus etapas figurativa o abstracta, que termina siendo

refrendada en una subasta de primera línea.

Nos hemos refererido en anteriores notas a la diferencia de la solidez de

la inversión en artistas de trayectoria ,y de cómo se construyen los

precios de los que son resultado de la necesidad de especulación:

Pues bien, el hecho es que los capitales especulativos están dandose

cuenta que es mejor "negocio" invertir en artistas de trayectoria,

que en los Damien Hirst o inventos similares.

Esto es lo que termina dando solidez al arte como inversión, y es que

finalmente, ningún vaivén de precios relativos puede alterar el hecho

de que tener un Monet o un Degas es y será mejor que cualquier otra

forma de ese monstruo de mil cabezas del siglo XX al que llamamos

mercado.

Tal vez porque ni bonos, ni acciones, ni propiedades han tenido tan

alta influencia en la evolución del espíritu humano.

Fernando Esperon

 ¿SERÁ PARA BIEN, SERÁ PARA MAL?

En la segunda mitad del siglo XX, el mundo vio nacer, crecer y perfeccionarse la herramienta
que más influencia tendría en la vida cotidiana de la gente: la investigación motivacional;  
como la llamara el sociólogo Vance Packard a fines de los cincuenta, una de las formas ocultas de la propaganda.

Esto es, ni más ni menos, que la manipulación de la percepción de objetos, ideas y costumbres de las personas.
Esta modalidad se consolida en el Motivational Research Institute, dirigido por el Dr. Ernest Dichter,
donde se estudiaban las tendencias inconscientes del consumidor y sus preferencias a la hora de elegir envases,
colores y formas de productos para adultos y niños. Esto impactó en el mundo del arte hacia los 60‘s generando
adeptos y resistencias en los dos focos más importantes de la época.

Los artistas Pop de los 60´s como Andy Warhol y Roy Lichenstein, diseñaron  etiquetas y avisos gráficos de
muchos productos, entre ellos una célebre lata de sopa, subastada mucho después a precio fabuloso.

La fusión entre publicidad, diseño y arte encuentra en el Pop un vehículo adecuado y muchas empresas
se unen a la publicidad a través de la figuración del pop,  ya que eran una garantía de identificación en
los jóvenes, y también generó, claro, resistencias: por ejemplo, en los artistas abstractos norteamericanos
de la escuela de Nueva York. Éstos últimos publicaron el “Manifiesto del arte abstracto” y fueron liderados
por Adolph Gottlieb, Mark Rothko y Jackson Pollock, entre otros.  Dejaban entrever, por oposición y sin hacer
peleas visibles específicas, que no comparten la afinidad con lo obvio de las obras figurativas y por lo tanto,
con el advenimiento de un nuevo mercado, construido más por galeristas, promotores y coleccionistas-financistas
que por los antiguos Mecenas y amantes del arte.

Cuando a mediados de los cincuenta se inauguró en Nueva York el Seagram Building, un edifico
emblemático en  la Manhattan de entonces, el restaurante Four Seasons de ese edificio fue decorado
con obras de Mark Rothko. 
El artista, de conocida rebeldía ante el sistema, fue al restaurante a ver sus obras y de regreso a su casa,
llamó asu galerista y le dio la orden de retirar inmediatamente las pinturas de ese lugar.

El argumento de Rothko fue que “no quería que esa clase de gente que comía esa clase de comida
en esa clase de restaurant, mirara su obra”. Poco tiempo después, donaba las mismas obras al Tate Gallery,
en Londres. Muchos fueron los dichos de este artista sobre la profunda decepción que el arte manejado por
mercaderes y publicistas le producía.

Sin embargo, la oscuridad siempre está embarazada de la aurora y ningún proceso tiene un solo matiz… 

La impregnación que los medios masivos produjo en el público cincuenta años después de la irrupción del
Marketing, es cuando se puede decir que, sin embargo  la propaganda en sus muchas formas contribuyó-
como efecto secundario- a acercar el arte a mucha más gente, que ocupó espacios no tradicionales donde el
arte está presente, dando como resultado la llegada a mayor cantidad de personas que, producen, adquieren,
disfrutan  y hacen trabajo social utilizando el arte como vehículo, nada mal para un momento en que el mundo
lo necesita como al agua.

Fernando Esperon 

EL INSTANTE SAGRADO

El mercado de arte parece ser un lugar donde la verdad es sólo una forma
de presentar los hechos, tan subjetiva como lo somos los seres humanos.

Así lo muestra este cuento de, Nasreddin - legendario personaje de la sabiduría

oriental que con sus historias representaba a la mente condicionada-

que cuenta que un Sultán, cansado de las mentiras del simpático personaje ,

se dispuso a atraparlo infraganti, para ello, dictó una ley en la que decía cualquiera

que mintiera cuando entraba o salía de la ciudad , seria ahorcado.

Al anochecer, Nasreddin llegó, como todos los días, a las puertas de la ciudad
montado en su burro . Los guardias, con aire de triunfo y esperando escuchar

una mentira como respuesta, le preguntaron :

- Nasreddin , a donde vas ?

-“A ser ahorcado… “contestó Nasreddin

Los guardias, desconcertados, se miraron entre sí.

-“Si me cuelgan convertirían esto en verdad- siguió- con lo cual, si me ahorcaran

cometerían una gran injusticia y la gente lo sabría, y el Sultán quedaría ante el pueblo

como un hombre impiadoso “…
Los guardias, confundidos por la ocurrencia, sin saber qué hacer y temerosos de

la posible ira del Sultán, dejaron ir a Nasreddin..

De igual forma, con el desembarco de los llamados “depredadores” del mercado

de arte, la valorización de las obras parecía ser una fantasía convertida

rápidamente en realidad , como pasó ,por ejemplo, en la década del ’80 cómo si

obras y artistas tuvieran la oscilación de precios que tenían otros activos del

mercado financiero, es decir que subían con la misma potencia que luego se

derrumbaban, o volvían en el mejor de los casos a sus precios históricos.

En lo que a la distancia conocemos como el “efecto yuppie” que deprimió el mercado

hasta 1997, año en que los inversores empezaron, de a poco, a recuperar la confianza.

Pese a que en estos tiempos y seguramente en los que vendrán, esa realidad se

sigue replicando en algunos casos, lo que da la solidez a los precios de las obras

es el que se basa en otra realidad que la dictada por el marketing o la pura

especulación, es más bien, la realidad de la trayectoria donde el artista es

reconocido por coleccionistas de cualquier nivel , críticos y curadores,

creando una base de confianza que construye su precio.

Está claro que el inversor que gusta del arte, no sabe de especulaciones

ni de acciones de marketing, sólo busca la contemplación de la obra de arte que

alimentará su alma y estimulará su conexión con algo superior ,aunque

su mente racional no sepa definirlo.

Las escuelas más antiguas de desarrollo humano, coinciden en que un ser

humano puede estar dos semanas sin comer , dos días sin beber agua ,

dos minutos sin respirar, pero solo un segundo sin recibir un impacto.

Por ende, es el impacto, sin lugar a dudas, el alimento más importante que

recibimos y que ofrece una oportunidad más poderosa que la rentabilidad

inmediata, por grande que ésta sea: la posibilidad de una conexión, que se da

cuando contemplamos la obra de arte como un mensaje cifrado de algo superior.

Fernando Esperón 

LONDRES FUE EL CENTRO DEL ARRANQUE DE LA TEMPORADA DE SUBASTAS 

  

Por estos días es Londres el centro de la atención del mercado de subastas, con la de Impresionismo y Arte Moderno, que llegó a una cifra total de ventas de u$s 250,900,000 y donde el récord fue el alcanzado por “Retrato de Jeanne Hebuterne”, obra de Amadeo Modigliani pintada en 1920,un año antes de su fallecimiento y que fue la estrella de la subasta, vendida en u$s 42,104,835.

Otras cotizaciones, aunque de cifras bastante inferiores perode obras importantes fueron “Lómbrelle “ de Pierre Auguste Renoir, vendido en mas de u$s 15,000,000 y“ Nuaccroupi “ de Pablo Picasso que redondeó los u$s 11,ooo,ooo.

En Sotheby´s, también en la misma ciudad, en la subasta de Impresionismo y Arte Moderno se llegó a un total de u$s 228,532,709 , y el mayor precio fue el logrado por la obra de Pablo Picasso “Mujer sentada junto a la ventana “ que se vendió en u$s 45.000.000 y “ Mujer soñando con fugarse “  de Joan Miró, vendido en u$s 13,160,000 dólares.

Para los días por venir, ambas casas preparan las subastas de Arte Contemporáneo y de posguerra siempre en la capital británica, esta vez con estimados  que mayormente no superan el orden del millón de dólares.

La óptica desde la cual miramos las cifras de estas subastas son obviamente, subjetivas en relación al tamaño del mercado de cada lugar. Para nosotros, en este rincón del mundo, las cifras de las subastas del hemisferio norte son meteóricas o cuando menos inalcanzables, aunque a no desesperar, ya que el síntoma de un mercado sano es el crecimiento sostenido dentro de un período de tiempo no menor a los cinco años.

Cuando hablamos de crecimiento no solo nos referimos a la cantidad de personas que se aproximan a comprar arte, si no también a la cantidad de público que participa en muestras y exposiciones en museos y galerías ,lo que a la larga redunda en crecimiento del volumen de ventas y , finalmente, en el tamaño del mercado.

Fernando Esperon

 POLARIDAD Y TRANSFORMACIÓN EN UN AÑO INTENSO

 A nivel global, el 2012 fue mejor para el mercado del arte

 que para otros, en lo que a subastas se refiere,

al menos si tomamos como referencia las subastas de

Arte Moderno y de Posguerra en Christies, y las de Sothebys

y Phillips de Pury , tres subastadoras más importantes.

A la decepción que los operadores tuvieron

con la subasta de Impresionistas y Modernos , siguieron

impresionantes records en las de arte contemporáneo,

con un total que ronda los U$S 800 millones, sumando las

dos subastadoras, con obras de Mark Rothko, Jackson Pollock,

Willhem de Kooning y Francis Bacon en Sothebys,y a pocas cuadras

en la” Subasta de Arte Contemporáneo y Posguerra”de Christies,

Andy Warhol Franz Kline Jeff Koons, Roy Lichenstein y

Jean Michel Basquiat.

La pintura de la llamada escuela de Nueva York fue la estrella

este año, junto con un récord puntual marcado por “El Grito” ,

la obra del expresionista Noruego Edward Munch, que remontó

por mucho su estimado de 80 millones llegando a los 120.

Esta versión al pastel, la única que seguía en manos de un particular

de las cuatro existentes, y fue vendida por Petter Olsen,

mientras que las otras tres pertenecen a museos.

El comprador es un magnate de las finanzas indicado por

la revista Forbes como uno de los hombres más ricos del

mundo.

Como récord de precio de un artista vivo “Abstraktes Bild”,

la obra de Gerhard Ritcher por el que un comprador que logró

mantener el anonimato pagó 34 millones de dólares, hizo que

su dueño anterior, el famosísimo guitarrista Eric Clapton,

lograra una inversión más que rentable, ya que

había pagado por ella sólo tres millones de dólares en 2001.

En subastas online, el Top Price fue para “ October on Cape Cod”,

una de las muy pocas obras de Edward Hopper que existen en

el mercado fuera de los museos, y que fue vendida por la casa

Christie’s, en la subasta de Internet de Noviembre por

u$s 9,6 millones.

En el ámbito local, las subastas tuvieron una merma en la

facturación total respecto del año anterior, aunque la causa

no tiene que ver con la confianza de los inversores en el arte,

sino en una situación tangencial, como son las restricciones

cambiarias, que produjeron en principio una retracción en

el mercado, seguido de un repunte hacia el final del año ,con

algunos precios importantes en operaciones puntuales.

Rescatamos el sostenido y creciente interés de los nuevos

compradores que se acercan, sin prisa y sin pausa, y de la

diversidad de gustos de los mismos , que se inclinan por

más cantidad de artistas en diversas técnicas y soportes.

Para cada vez más gente, el arte es una opción atractiva y

Rentable por encima de los vaivenes económicos.

Fernando Esperón

MIAMI : CRÓNICAS DE UN NUEVO PARADIGMA

En la ciudad de Miami acaba de comenzar una explosión

de texturas ,formas ,colores y nuevas tendencias, en las

nueve Ferias de Arte que se abrieron esta semana.
 

Todo ello alrededor de la onceava edición de la feria

ART BASEL MIAMI BEACH, que junto a sus “Satelites”

reúnen unos 2000 artistas distribuidos en unas 260 galerías,

que prometen muchísimo al incluir artistas emergentes,

conceptuales, pequeñas galerías, y nuevas tendencias.

UNTITLED, una feria ultra contemporánea, tiene como

particularidad que se realiza en una carpa en una playa,

Overture Art Fair, en su tercera edición, tiene como objetivo

promover al arte como vehículo de responsabilidad social por

medio de proyectos y eventos filantrópicos.

NADA (The New Art Dealers Alliance) es una feria internacional

dirigida por una organización sin fines de lucro con foco

en la investigación de artistas y movimientos emergentes.

PULSE: PULSE Miami en su octava versión, presenta

a más de 86 galerías de todo el mundo con performances,

videos e instalaciones.

SCOPE Miami 2012 siempre asociada al arte emergente

Convoca a 84 galerías internacionales y varios programas

clave que tendrán lugar en su nueva locación en el Midtown

Arts District.

Por ejemplo, el Breder Program estimula a “desafiar la premisa

de lo que es una galería” y “servir de agente para la transformación

del mundo”, o el “Noosphere Arts “, un espacio sin ánimo de lucro

iniciado en el 2011 por el artista noruego residente en Nueva York

Sol Kjøck para crear redes mundiales de intercambio.

ART MIAMI, es la feria de arte más tradicional de la ciudad de Miami,

Y a la sazon ,la más grande y aún mantiene una posición privilegiada

en la escena artística de esta ciudad. reúne unas 125 galerías de

primer nivel de todo el planeta

CONTEXT que mostrará proyectos de artistas emergentes y

JUSTMAD MIA celebrará su primera edición del 6 al 9 de diciembre

en el Wynwood Convention Center con la filosofía de trabajo que tiene

su hermana madrileña JUSTMAD.

Como resultado de esta fiesta del arte en Miami,

el abanico se sigue abriendo , las técnicas de nuevas técnicas
de comunicar el arte surgen, pero sin quitar lugar

a las Tradicionales, lo que habla de una época inclusiva y expansiva,

donde hay lugar para todos menos para la crisis, porque

finalmente ,si la vida no es más que una gran ilusión , la que genera

el arte es de una calidad muy superior, internamente mas nutritiva

y mas placentera y que casi todo el resto.

Fernando Esperon

LA PARADOJA DE UN MERCADO PERFECTO

El fragor electoral y las inundaciones que precedieron este año

a las subastas de otoño en Nueva York no pudieron - sin embargo -

detener la pujanza de un mercado que sigue contradiciendo

los índices de crisis y recesión que circulan en los circuitos

económicos y financieros.

Y aunque las subastas de “Arte Moderno e Impresionista”

decepcionaron a los operadores, (un tercio de las obras no se

vendió y sólo dos obras de Picasso y Monet llegaron a los

U$S 40.000.000.-) las de Arte Contemporáneo lograron trocar

en euforia el desánimo de las anteriores.

Como en las mejores épocas, y con un total que ronda los

U$S 800 millones sumando las dos subastadoras, el tope
llegó en Sotheby’s, de la mano de dos mascarones de proa

de las ventas en remate, Mark Rothko con “Red & Blue N°1”,

que hizo bajar el martillo con la ofeta de U$S 75.000.000,  

para una obra de 290 x 170 cms y Jackson Pollock con

“Número 4”, de 76,5 x 73,5cms, que llegó a los U$S 40.402.000 .-
En una franja menos opulenta, “Abstraction” de Willem

de Kooning, de 60x80 cms, alcanzó los U$S 19.000.000.

Y mas allá de los abstractos, el controvertido artista Irlandés

Francis Bacon alcanzó los U$S 29 .000.000.-

A poca distancia de ahí, en la ”Subasta de Arte Contemporáneo

y Posguerra” de Christie’s, el precio Top, fue para “Estatua de la libertad”

de Andy Warhol , en U$S 43.762.500 .-. Muy cerca,“S/T” de Franz Kline

200 x 270 cms, se vendió en U$S 40.402.500.- cuadruplicando

el precio de sus últimas subastas. “Tulipes” de Jeff Koons, U$S 33.682.500.,

“ Desnudo con camisa Roja “, de Roy Lichenstein en U$S 28.082.500.-,

Y finalmente,”S/T” de Jean Michel Basquiat, en U$S 26.402.500.-

Estas son algunas de las cifras que se manejaron esta semana, y

que sigue habilitando al arte como una inversión donde la intuición

y el desarrollo de la percepción no están ausentes, lo que siempre

puede verse en la brecha que existe entre obras del mismo artista

con similares características pero que tienen suerte opuesta a

la hora de enfrentar al público comprador.
La diferencia está en lo que trasmiten cuando se las contempla,

mucho mas allá de la especulación financiera.

No puedo dejar de recordar la respuesta de una muy reconocida

operadora de una galeria internacional, de gran experiencia

en salas de subasta Neoyorkinas, quién -al comentar este fenómeno-

me dió su explicación de por qué una obra duplicaba su valor

mientras el lote siguiente , del mismo artista, técnica ,medida

y época no producia ofertas, me sonrió y me dijo, refiriéndose

a la que se había vendido:“ Es que es bella, muy bella, llega al alma “…

 Fernando Esperón

 LA QUINTAESCENCIA DE LA INVERSION EN ARTE

El mercado del arte tiene sus propias leyes y características,

distintas a veces del mercado financiero o bursátil.

El comprador tiene su primer impulso en la compra de una obra

porque le gusta una pintura, la mayor parte de las veces

sin pensar en el rendimiento a nivel monetario. Ahí empieza

en realidad ,un negocio de inversión que resulta siempre

más fascinante que la rentabilidad misma que en el caso del mercado

local está calculada en el 10 % anual.

La mejor forma  de transitar por el arte como “negocio”

es abrir la mente a la percepción a la obra, más que a la renta ocasional

de cada operación, ya que la segunda viene como consecuencia de la primera.

El valor de una obra no se pierde, aunque se sabe que siempre

hay buenas y malas compras. Una obra mantiene o incrementa su

precio a valores constantes si se le da el tiempo necesario.

Es un activo físico y la obtención de ganancias no siempre es inmediata, ya que

su oferta depende de la demanda del momento.

He conocido mucha gente que compró arte como inversión que al tiempo,

y ante una oferta ,no quiso desprenderse de la obra aunque

la ganancia sea óptima.

Por ejemplo, es muy conocido el hecho de que dos académicos de

Harvard, Xianping Mei y Michael Moses, trataron de hacer un índice

como guía de inversión financiera para los compradores de arte.

Llegaron a la conclusión de que éste mercado era impredecible,

y lo llamaron “imperfecto”. Terminaron elaborando un índice

copiando al del mercado de los bienes raíces. El verdadero

descubrimiento fue que el mercado del arte es muy

difícil de predecir en relación a otros. Tiene sus leyes y hay que conocerlas.

En cualquier caso, las obras de arte guardan sorpresas que no siempre se

develan en el momento: Jackson Pollock, pintó obras que alcanzaron

cifras extraordinarias muchos años antes de que los científicos R. Taylor,

A. Micolich y D. Jonas- tres científicos australianos - publicaran en 1999

un artículo en Nature donde anunciaban que los cuadros de Pollock de

la época “drip and splash” tenían estructuras fractales en su obra.

De alguna forma, el mercado descubrió intuitivamente antes lo

que los científicos descubrieron muchos años después.

La aventura consiste, en cualquier caso, en empezar a percibir los

Ingredientes internos en  las obras de arte, volver al concepto de

valor como lo que define al precio, y no a la inversa, ya que el valor

proviene de algo muy profundo del ser humano que fue captado,

-en su momento - por el artista.

Solo se trata de volver, finalmente a la quintaescencia del mercado de arte.

Fernando Esperón